Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Телефон для справок, заказ экскурсий:
+7 (473) 255-38-67
Menu
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
+7 (473) 255-38-67
Григорий Мясоедов – один из наиболее ярких представителей реализма второй половины XIX века, участвовал в основании Товарищества передвижных художественных выставок.
Родился в селе Паньково Тульской губернии и принадлежал к старинному дворянскому роду Мясоедовых. В детстве мальчик много читал, часто рисовал. Отец всячески поощрял его интерес к художеству. Свое обучение будущий художник начал в Орловской гимназии, где рисование преподавал профессиональный художник И.А. Волков, но, не окончив в ней курса, поступил в ученики Академии художеств, где его профессорами были Т.А. Нефф и А.Т. Марков. В 1853 году он поступил в Академию Художеств.
В 1861 году получил малую золотую медаль за картину «Поздравление молодых». В 1862 году Мясоедов окончил Академию Художеств по классу исторической живописи, получив большую золотую медаль за композицию «Бегство Григория Отрепьева из корчмы на литовской границе» и был поощрен пенсионерской поездкой. Посетил Италию, Германию, Бельгию, Швейцарию, работал в Париже, Испании, познакомился с главными памятниками мировой художественной культуры и актуальным искусством Европы того времени.
Европа второй половины XIX века отличилась расцветом критического реализма, им увлекся и Григорий Мясоедов. Убежденный в том, что главная задача художника – реалистичное и правдивое изображение быта крестьян и рабочих, страдающих от нищеты, живописец решил приблизить искусство к обывателю. По возвращении на родину Мясоедов активно продвигал идею создания особого сообщества художников передвижничества, и уже в 1870 году состоялось первое собрание участников организации. В том же году получил звание академика за картину «Заклинание».
После раскола сообщества Григорий Мясоедов вышел из Товарищества и переселился на хутор под Полтавой. Там он создавал пейзажи, пробовал силы в графике, работал над театральными декорациями и занимался садоводством. Скончался в своей усадьбе в 1911 году.
Жан-Франсуа Рафаэлли родился 20 апреля 1850 года в Париже.
Рафаэлли посещал Школу изящных искусств, мастерскую Жан-Леона Жерома. Художник приобрел известность как мастер жанровых картин, городского пейзажа. Герои картин Рафаэлли – люди из бедных предместий Парижа. В своих творениях Рафаэлли не показывает ни пышность, ни роскошь. Эта тенденции прослеживается и в выборе героев картин, и в выборе пейзажей. И если художник изображает центральные улицы Парижа или состоятельного человека он все равно стремится к простоте.
Рафаэлли испытывал сильное влияние импрессионистов, даже участвовал в нескольких их выставках. Однако «коллеги по цеху» критиковали его за поверхностность.
Художник был дружен с Эдгаром Дега и усвоил от него беглую манеру письма. Видя, что импрессионизм не подходит для выражения его идей, Жан-Франсуа Рафаэлли разработал собственный творческий метод. Художник сильно разбавлял масляные краски, что позволяло получить своего рода «эффект акварели».
Помимо жанровых произведений и пейзажей Жан-Франсуа Рафаэлли создавал портреты современников. Еще одним направлением творческой деятельности художника стала цветная гравюра. Именно с именем Жана-Франсуа Рафаэлли связывают возрождение этой техники.
Художественный талант Бориса Михайловича Кустодиева известного во всем мире представителя русской живописи, подарил зрителям ностальгический мир, солнечный и радостный, подчеркивающий яркими красками ощущение праздника.
Родился будущий художник в семье преподавателя семинарии в Астрахани. Обучался в церковно-приходской школе, потом в гимназии. Когда ему было девять лет, в город привезли выставку художников-передвижников. Картины Васнецова, Серова, Поленова и Шишкина оглушили мальчика — ничего подобного ему прежде видеть не приходилось. Именно тогда Кустодиев твердо решил, что станет художником.
Первым учителем Кустодиева стал выпускник Санкт-Петербургской Академии художеств Павел Власов. Именно он помог Кустодиеву поверить в свои силы и убедил его продолжить обучение в столице. Кустодиев стал студентом Петербургской Академии художеств и по истечении двух лет был принят в мастерскую Ильи Репина. Великий художник сразу обратил внимание на ученика, возлагая на него большие надежды, что впоследствии вылилось в совместную работу над монументальным полотном – «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года». Следствием столь успешного начала стала защита дипломной работы с золотой медалью и стажировка за границей.
«…настоящий Кустодиев – это русская ярмарка, пестрядина, «глазастые» ситцы, варварская «драка красок», русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями…», – писал художник, историк искусства Александр Бенуа.
Действительно, талант Бориса Кустодиева в полной мере проявился в жанровых произведениях, изображениях яркого крестьянского и мещанского быта. Работам Кустодиева свойственны черты модерна, присуща наивная декоративность. Творения Бориса Кустодиева в такой яркой, нестандартной форме показывают русский быт, раскрывают русскую душу. Порой кажется, что на картинах Кустодиева сказка, мечта о провинциальной жизни.
На счету Кустодиева внушительное число работ, написанных на стыке портрета и жанровой живописи. Художник создавал произведения, на которых модель тесно связана с окружающим ее интерьером или пейзажем. Таким образом художник подчеркивал индивидуальность изображаемого человека, раскрывал его внутренний мир. Выдающимися в этом направлении творениями являются автопортрет Кустодиева и портрет Шаляпина.
Известны и театральные работы художника, по которым также можно проследить развитие мастера. Если сначала декорации, создаваемые Кустодиевым, отличались яркостью и сложностью, то позже они стали более простыми, дающими больше свободы для работы режиссера.
Новое направление в творчестве художника появилось после 1917 года. Борис Кустодиев положительно воспринял революцию, полагая, что она принесет перемены к лучшему. Художник создавал революционные плакаты, продумывал оформление улиц.
Еще в 1909 году у Бориса Кустодиева проявилось тяжелое заболевание спинного мозга. Несмотря на лечение, болезнь прогрессировала, наступил паралич ног, но даже в этом состоянии художник продолжал работать, создавая сочные, запоминающиеся образы.
Умер Борис Кустодиев в Ленинграде, похоронен на кладбище Александро-Невской лавры.
Николай Петров – живописец, акварелист, автор жанровых картин, пейзажей. Уроженец села Бекетово Нижнедевицкого уезда Воронежской губернии.
Окончил Воронежское реальное училище (1892), одновременно посещал домашнюю студию художника Л.Г. Соловьева. Учился в Петербургской Академии художеств (1892-1901) у И.Е. Репина. Участник многих Петербургских и зарубежных выставок (с 1896).
В 1901 году Николай Петров получил звание художника за картину «Вечер в деревне». В 1904 году выступил как член-учредитель «Нового общества художников». В 1908 году за картину «Зал в Ракше» получил золотую медаль Международной художественной выставки в Мюнхене. Принимал участие в международной выставке в Риме. В 1916 Петров получил звание академика живописи.
Автор жанровых картин, интерьеров, пейзажей, натюрмортов. Член-учредитель «Нового общества художников». Работы Петрова представлены в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, Пензенской картинной галерее, Воронежском областном художественном музее имени И.Н. Крамского. Академик живописи с 1916 года. Преподаватель в Пензенском художественном училище (1910-1936), Всероссийской Академии художеств (Ленинград, с 1936).
«Выделяются как жемчужины… с подлинной любовью к старине и знанием акварели нарисованные интерьеры Петрова», – писал критик Маковский.
Персональные выставки произведений Петрова (1973) состоялись в Ленинграде, Воронеже, Пензе.
*Заглавное фото: Н.Ф. Петров. Автопортрет. 1890-е. © ВОХМ им. И.Н. Крамского
«Трудно найти более совершенное соотношение всех частей единого сооружения, чем то, которое достигнуто здесь», – так писал Игорь Грабарь о доме Пашкова в Москве. Этот дворец расположен напротив Московского Кремля –теперь это старое здание библиотеки бывшего Румянцевского музея. Неровный участок во многом усложнил задачу архитектора, но Василий Баженов смог создать удивительно изысканное и гармоничное здание, ставшее украшением Москвы.
Василий Баженов родился в Калужской губернии, но вскоре после появления на свет сына семья перебралась в столицу. Любовь к рисованию, упорство и трудолюбие позволили сыну церковного дьячка достичь невероятных успехов, получить дворянский титул, оставить след в истории архитектуры.
Еще не достигнув и 18 лет, Василий Баженов заслужил ранг живописца второго класса. Талант юноши был замечен архитектором Ухтомским, который в 1751 году зачислил Баженова вольнослушателем в собственную архитектурную школу. Уже в 1757 году Баженов поступает в Академию художеств, где его наставником становится Чевакинский. Маститый архитектор оценил работы Баженова и назначил его своим помощником во время строительства Никольского Морского собора. В 1759 году одним из первых Василий Баженов был направлен Академией во Францию, где продолжил изучение архитектуры под началом Девальи.
Несмотря на то, что Василий Баженов имел блестящее образование, обладал талантом, многие его проекты не были осуществлены. Восемь лет архитектор разрабатывал концепцию Большого Кремлевского дворца, однако, строительство грандиозного комплекса так и не было завершено. Десять лет потратил он на возведение царской резиденции в Царицыно, но псевдоготические постройки показались Екатерине II мрачными, и в итоге вся центральная застройка была снесена и возведена заново архитектором Казаковым.
После смерти императрицы, взошедший на престол Павел I возвращает архитектора из опалы: не только назначает его на пост вице-президента Академии художеств, но и поручает Баженову провести исследование проектов русских архитекторов и курировать наиболее талантливых. Этим планам зодчего не суждено было сбыться — в августе 1799 года Василий Баженов скончался.
Жизнь Ореста Кипренского полна тайн и загадок. Незаконнорожденный сын помещика Дьяконова воспитывался в семье крепостного Адама Швальбе. В 1788 году он был зачислен в Воспитательное училище при Академии художеств. Не смотря на то, что художник обучался в классе исторической живописи, его талант полнее раскрылся в жанре портрета. Он стал не только ведущим портретистом своего времени, но и непревзойденным мастером романтической живописи.
Портрет Александра Сергеевича Пушкина, выполненный по заказу Антона Дельвига в 1827 году, наверное, самая известная работа художника. Репродукции с нее украшают кабинеты литературы во многих школах страны. Из многочисленных портретов великого русского поэта эту картину выделяет некоторый романтический обобщенный образ. Пушкин изображен в три четверти к зрителю, его взгляд задумчив и печален, поэт погружен в размышления, все полотно проникнуто одухотворенностью. Высоко оценил портрет и сам Александр Сергеевич:
Любимец моды легкокрылой,
Хоть не британец, не француз,
Ты вновь создал, волшебник милый,
Меня, питомца чистых муз, –
И я смеюся над могилой,
Ушед навек от смертных уз.
Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит.
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид.
Однако сам Кипренский считал своим истинным призванием историческую живопись, портреты он писал в основном ради заработка. Как только в Европе наступил мир, Кипренский отправился в Италию с намерением написать значимое историческое полотно, которое принесло бы ему славу и известность. Картина «Анакреонова гробница» успеха не имела.
Художник вернулся в Петербург в 1823 году и был весьма холодно встречен. Виной тому были две таинственные истории, во-первых, в Италии был убита натурщица, позировавшая Кипренскому, а во-вторых, он взял под покровительство десятилетнюю девочку Мариуччу, к которой необычайно привязался. Упорным трудом и талантливыми работами вернул Кипренский благосклонность высшего света. В 1828 году художник вернулся в Италию, где и прожил до конца своих дней. Он женился на Мариучче в 1836 году, но счастье было недолгим – через четыре месяца после свадьбы живописец скончался.
Алексей фон Явленский – русский художник-экспрессионист, большая часть работ которого была создана в Германии.
В 1896 году ученик Ильи Репина Алексей Явленский переехал в Мюнхен, где вместе с Василием Кандинским поступил в художественную студию Антона Ажбе.
Стиль Явленского постоянно развивался, например, какое-то время он творил в стиле Ван Гога. Затем под влиянием французских художников Явленский разработал собственную художественную стратегию.
Явленский был участником таких объединений, как «новое Мюнхенское художественное объединение», «Синий всадник», «Синяя четверка», организовывавшая выставки художников в Германии и США.
С 1927 года художника начал мучить артрит. Со временем, чтобы продолжать рисовать Явленский стал привязывать кисть к рукам. Именно в этот период появляется серия «Медитации», ставшая вершиной творчества художника. Одним из интересующих художника объектов для изучения всегда было человеческое лицо. В цикле «Медитации» Явленский для изображения лица обращается к абстракции.
В 1937 году порядка семидесяти работ художника конфисковали нацисты как «Дегенеративное искусство».
14 апреля в 16.00 в ВОХМ им. И.Н. Крамского откроется выставка «Роковая встреча. Винсент Ван Гог и Поль Гоген.
В экспозицию включены почти 80 литографий и ксилографий с картин Винсента Ван Гога и Поля Гогена, выполненных в США в 1948-1952 годах.
Жизнь Винсента Ван Гога трагична и противоречива. Непонимание со стороны окружающих после смерти художника превратилось во всемирную известность и всеобщее признание. Великий мастер, прошедший через отречение, сумасшествие, находился в постоянном творческом поиске и развитии. Ван Гог прожил всего 37 лет, но лишь последние семь лет были посвящены живописи в полной мере. Его творческое наследие поразительно: около тысячи рисунков и почти столько же картин. Однако при жизни художника было продано лишь несколько полотен.
Поль Гоген с 1883 года всецело посвятил себя искусству. Неприятие современного общества пробудило в нем интерес к традиционному укладу жизни, к искусству архаической Греции, стран Древнего Востока, первобытным культурам. Еще во Франции поиски обобщенных образов, таинственного смысла явлений, сблизили Гогена с символизмом и привели к созданию своеобразной живописной системы – «синтетизма», в которой светотеневое моделирование объемов замещается ритмичным сопоставлением отдельных плоскостей чистого цвета. Эта система получила дальнейшее развитие в картинах, написанных Гогеном на островах Океании.
В 1888 году в Арле, на юге Франции, Поль Гоген и Винсент Ван Гог в течение нескольких месяцев работали вместе. Будучи полярным и в жизни, и в искусстве, их творческий союз был обречен. Однако этот недолгий период оставил неизгладимый след в жизни и творчестве обоих мастеров.
Гений художников также проявился в литературе. Поль Гоген – автор исследовательского труда о таитянской культуре и мифах «Ноа-Ноа», мемуаров «Прежде и потом», критических статей. Ван Гог оставил после себя большое эпистолярное наследие. В письмах к брату Тео он предстает не только во всем своем душевном смятении, но и в величии духовного богатства и художественного таланта.
Отрывки из писем и дневников художников являются основой информационного сопровождения проекта. Все работы, представленные на выставке, дополнены текстами от первого лица.
Посетить выставку можно до 28 мая. Организатор выставки – компания «АртГит» (Москва).
Стоимость входного билета для взрослых посетителей – 250 рублей, для студентов, пенсионеров и других льготных категорий – 200 рублей, для школьников – 100 рублей.
26 апреля 2017 года в 16.00 на третьем этаже основной экспозиции ВОХМ им. И.Н. Крамского откроется выставка работ художницы Зои Камаевой «Тонкая, шелковая бумага».
Около тридцати, представленных на выставке работ – иллюстрации к известной сказке Вильгельма Гауфа «Спасение Фатимы». Автор был вдохновлен шедеврами, созданными средневековыми персидскими мастерами миниатюр и, в частности, художниками школ Тебриза и Герата.
Автор надеется, что некоторые современные технологии и подходы к иллюстрации в сочетании с бережным отношением к источнику вдохновения помогут создать что-то интересное для зрителя.
Справка:
Зоя Вячеславовна Камаева родилась в г Воронеже в 1962 г.
В 1979 году по окончании школы поступила в Воронежское художественное училище, где проучилась до 1982 года. В 1985 году поступила в МГХИ им Сурикова, где училась в мастерской народного художника РФ, члена Российской Академии художеств – О.М. Савостюка и народного художника РФ, члена Российской Академии художеств – Н. Л. Воронкова.
В 1991 году защитила диплом серией литографий. В 90-е годы была участником молодежных выставок (1994 — молодежная выставка в ЦДХ) а так же зарубежных — в 1995, 2000 галерея Форум, Австрия. С момента окончания ВУЗа работает как свободный художник.
В качестве иллюстратора сотрудничала с издательским домом «Conde Nast», c компанией Samsung, агенством «CHAIL», австрийским издательством «facultas» и различными другими агентствами и издательствами.
Стоимость входного билета на выставку входит в стоимость билета на основную экспозицию.
Стоимость отдельного посещения выставки — 50 рублей для всех категорий посетителей.
Выставка продлится до 28 мая 2017 года.
— уборка листвы и сухой травы с газона — 300 кв.м.;
— уборка прилегающей территории, асфальтированной и вымощенной плиткой – 1360 кв.м.;
— произведена посадка кустарников сирени вдоль забора выставочного зала и перед фасадом основного здания;
— подготовлены шланги для полива газонов, проверена исправность кранов;
— смазаны замки и петли калиток и ворот.
Всего в субботнике приняли участие 22 сотрудника музея.