Телефон для справок, заказ экскурсий:
+7 (473) 255-38-67
Menu
+7 (473) 255-38-67
18 мая 2017 года в ВОХМ им. И.Н. Крамского на первом этаже основной экспозиции откроется выставка «ОБРАЗ НЕФЕРТИТИ». Организаторами выставки выступили библиотека им. М.А. Волошина ЦБС ЦАО и мастерская Эдуарда Агапова (г. Москва).
Скульптурный портрет царицы Нефертити – одно из самых значимых и известных произведений мирового искусства. 6 декабря 1912 года выдающийся германский археолог Людвиг Борхардт, работавший на руинах одной из столиц Древнего Египта – города Ахетатона (совр. эль-Амарна), – обнаружил свою главную находку. Образ Нефертити в высоком синем парике, созданный в мастерской скульптура Тутмоса в 14 в. до н.э., прославил не только своего творца и археолога, вырвавшего царицу из плена песков, но и стал вневременным эталоном красоты, стиля и изящества. Этот великий шедевр как нельзя лучше выражает собой мечту древних египтян о бессмертии имени человека, будь то «великая супруга царская», каковой была Нефертити, придворный скульптор или те, кому посчастливилось сделать великую находку в Египте.
Образ царицы, который победил время, но, нелегально вывезенный в Германию, чуть не погиб во время II Мировой войны, стал не только образцом высокого искусства древности, но и символом победы культуры над войной и хаосом, свидетельством невероятной высоты, на которую способен человеческий гений.
В декабре 2016 года на основе трехмерного сканирования, выполненного в Египетском музее Берлина, в Москве командой мастеров под руководством художника Эдуарда Агапова и известного российского египтолога Виктора Солкина была создана высокоточная копия скульптурного портрета Нефертити, признанная лучшей из существующих копий великого шедевра, который никогда не покидает музей в Берлине. Образ Нефертити вошел в постоянную экспозицию известного российского центра египтологии и востоковедения – Библиотеки им. М.А. Волошина ЦБС ЦАО (Москва) и не будет покидать её. Исключение сделано только для Воронежа, с которым авторов проекта связывают давние дружеские и профессиональные связи.
Великая царица предстанет перед гостями Воронежского областного художественного музея им. И.Н. Крамского на считанные недели, благодаря чему гости выставки смогут увидеть Нефертити почти что «глаза в глаза» — так, как невозможно увидеть оригинал памятника в Берлине.
Стоимость входного билета на выставку входит в стоимость билета на основную экспозицию.
Стоимость отдельного посещения выставки (залы древнеегипетского и античного искусства) — 100 рублей для всех категорий посетителей.
Выставка продлится только до 18 июня 2017 года.
СПЕШИТЕ ВИДЕТЬ!!!
В рамках проекта «ОБРАЗ НЕФЕРТИТИ» состоится публичная лекция известного российского египтолога Виктора Солкина «Нефертити: загадки судьбы и великий шедевр» (подробнее на сайте музея по ссылке).
6 января 1832 года родился самый популярный иллюстратор XIX столетия, самый высокооплачиваемый во Франции, за 40 лет своей творческой деятельности создавший более 10 тысяч гравюр, при этом так и не получивший классического художественного образования, легендарный Гюстав Доре.
С самого раннего детства он увлекался рисованием, Л. Дьяков в книге о Доре пишет, что по рассказам старой няни мальчика – Француазы, она с четырех лет никогда не видела своего воспитанника без карандаша, он даже брал его с собой в постель.
Уже в возрасте 15 лет, переехав с матерью в Париж, Гюстав Доре начинает свой профессиональный путь в «Журналь пур рир» с серии рисунков о подвигах Геракла. Для этого еженеделька Доре выполнил порядка 2 тысяч сатирических карикатур, таких как серии «Разная публика Парижа» и «Парижский зверинец». Но спустя четыре года сотрудничество художника с журналом заканчивается, Доре увлекается книжной иллюстрацией.
Он создавал гравюры ко многих литературным произведениям — это и стихи Байрона, и «Гаргантюа и Пантагрюэль» Франсуа Рабле, и «Озорные рассказы» Оноре де Бальзака. Но особый успех ему принесла работа над иллюстрациями к «Божественной комедии» Данте. Эти гравюры принесли ему не только известность, но и еще больший финансовый успех.
Удивляет не только неистощимая фантазия Гюстава Доре, но и его удивительная работоспособность. В 1860-е годы он иллюстрирует «Сказки» Шарля Перро, «Дон-Кихота» Сервантеса, «Потерянный рай» Джона Мильтона, «Труженников моря» Виктора Гюго, «Басни» Лафонтена. Его иллюстрации к Библии до сих пор считаются классическими и используются в различных изданиях на разных языках.
В 1863 году французское общество задохнулось от возмущения — в Салоне была выставлена картина Эдуарда Мане «Музыка в Тюильри». Она была разнесена критикой в пух и прах. Работа была сочтена попросту недоделанной, однако сейчас большинство знатоков искусства считают, что это полотно произвело революцию в живописи, став первой работой в стиле импрессионизма.
Картина «Музыка в Тюильри» полна движения, многочисленные герои не позируют, они увлеченно беседуют, не обращая внимания на зрителя. А при этом работа — это групповой портрет, на котором Мане изобразил многих своих друзей и родственников. Здесь и родители художника, и его младший брат, его возлюбленная Сюзанна, его друг Шарль Бодлер, критик Захария Аструк, художник Альбер де Бальруа и многие другие представители столичного бомонда. Мастер стремился передать атмосферу шумного веселья, с которым толпа парижан ожидает начала еженедельного концерта в саду Тюильри.
«Музыка в Тюильри» написана быстрыми мазками, композиция наполнена резкими контрастами светлых и темных пятен, часть силуэтов четко прописаны, в то время как остальные персонажи картины лишены светотеневой моделировки и кажутся расплывчатыми. Эта идея, что форма не должна быть стабильна, была в дальнейшем подхвачена импрессионистами.
Художник, изменивший ход истории живописи, Эдуард Мане родился 23 января 1832 года в Париже. Его отец был главой департамента Министерства юстиции, мать — дочерью дипломата. Родители были против художественного поприща для своего сына, и под давлением отца он поступает в мореходную школу в 1847 году, где не смотря на с треском проваленные экзамены, ему предоставляют возможность отправиться в учебное плавание на парусном судне «Гавр и Гваделупа». Это путешествие еще больше убедило Мане в его призвании, и, вернувшись из плаванья, он поступает в школу художника Тома Кутюра.
Через шесть лет обучения Эдуард Мане покидает школу, устав от рамок академизма. Теперь его обучение — копирование работ старых мастеров из коллекции Лувра. Первая известность пришла к художнику уже в начале 1850-х годов, но стремление «показать жизнь как она есть» принесло ему скандальную славу. Лишь в начале 1880-х его взгляд на живопись получил безусловное признание. Но к этому моменту Эдуард Мане был тяжело болен. В апреле 1883 года ему ампутировали ногу, а через одиннадцать дней он скончался. Эдуард Мане был похоронен в статусе одного из величайших и самых неординарных художников своего времени.
Пол Джексон Поллок родился 28 января 1912 года в штате Вайоминг в многодетной семье — он был младшим из пяти сыновей. Семья часто переезжала. Отец будущего художника не мог найти постоянной работы — был овцеводом, каменщиком, садовником и так далее, пока и вовсе не бросил семью. Кочевое и практически нищее детство оставило свой отпечаток на характере Джексона, он рос депрессивным и вспыльчивым ребенком.
Америка в начале 20 века была далека от ведущих новаторских течений в изобразительном искусстве, центром художественной жизни был Париж. Однако ситуация стала меняться в 30-40е годы — фашизм, нацизм и Вторая мировая война вынудили художников, даже известных крупных мастеров, спасаться в США. С ними в Америку пришли крупные выставки европейского искусства, которые вместе с другими американцами посещал и Джексон Поллок. Он переехал к брату в Нью Йорк в 1930 году и приступил к обучению у художника Томаса Бентона.
В 1940-е годы Нью Йорк становится центром современной художественной жизни. Огромное впечатление на Д. Поллока произвела «Герника» Пабло Пикассо, привезенная в рамках ретроспективы «Пикассо. Сорок лет. 1900-1940». В работах Д.Поллока периода 1940-1942-х годов заметно влияние экспрессионизма. Однако в 1943 году Поллок отказывается от фигуративности и полностью погружается в новое течение в живописи — абстрактный экспрессионизм.
Джексон Поллок любил большие форматы, его работы монументальны, а метод рисования уникален. Современники прозвали его Джеком Разбрызгивателем, поскольку Поллок отказался от традиционных способов живописи. Он брал огромный холст и раскладывал его на полу, а затем, двигаясь вокруг него, брызгал, швырял краску с помощью кистей и шприцев.
Жизнь художника оборвалась трагически – он погиб 11 августа 1956 года в автокатастрофе.
Сильвестр Щедрин родился в семье известного петербургского скульптора, ректора Академии художеств Феодосия Федоровича Щедрина. Будущий художник рос в окружении людей близких к искусству и рано открыл в себе способности к рисованию. Он с ранних лет наблюдал за работой отца и дяди, Семена Федоровича, известного пейзажиста.
К 9-ти годам Сильвестр поступил на учебу в Академию художеств, где он обучался до 1811 года. Закончив Академию с Большой золотой медалью за картину «Вид с Петровского острова в Санкт-Петербурге», Щедрин получил возможность продолжить обучение за границей, но поездку пришлось перенести из-за сложной военно-политической ситуации в Европе.
По приезду в Италию в 1818 году Сильвестр Щедрин много и плодотворно работал, писал памятники античности, изначально строго придерживаясь традиций академизма. Однако, со временем художника все больше стала притягивать простота и естественность. Его картины «Новый Рим. Замок святого Ангела», «Озеро Альбано» произвели большое впечатление на современников.
Когда срок пребывания в качестве пенсионера истек, Сильвестр Щедрин решил не возвращаться в Россию и отправился в Неаполь, которым был очарован и которому посвятил множество своих работ. «Вид Неаполя. Санта Лючия», «Вид Сорренто близ Неаполя», «Рыбаки у берега», «Большая гавань в Сорренто», «Малая гавань в Сорренто» — пейзажи, написанные художником в конце 1820-х гг., хранятся в Третьяковской галерее и в Русском музее.
Вследствие тяжелой болезни художник умер в Сорренто. в возрасте 39 лет.
Самый большой и самый известный витраж России — изображение воскресшего Спасителя в Исаакиевском соборе Санкт-Петербурга, — был создан в 1843 году по эскизу немецкого художника Генриха Марии фон Хесса. Изготовлением же витража площадью 28,5 квадратных метров руководил один из самых значительных технологов и мастеров стекольной живописи в истории немецкого витражного искусства нового времени Макс Эммануэль Айнмиллер.
Макс Айнмиллер родился 14 февраля 1807 года в Мюнхене и был инспектором института для возобновления средневековой живописи на стекле. Он достиг необычайных успехов в технике изготовления цветных стекол, создав более сотни цветов и оттенков. Его работы украшают соборы не только Германии, их можно увидеть и в России, и в Ватикане и даже в США. Людвиг I заказал Айнмиллеру витражи для Кельнского собора, Регенсбургский и Аугсбурский соборы также могут похвастаться окнами, украшенными Айнмиллером. Для Ватикана художником были созданы два величественных витража с фигурами Петра и Павла. Однако лучшей и наиболее известной работой Айнмиллера являются 40 окон для собора в Глазго, на которых изображены более сотни сюжетов из библии, исполненные вместе с сыном художника Генрихом.
Умер художник 8 декабря 1870 года в родном Мюнхене и похоронен на Старом южном кладбище города.
21 февраля 1906 года родился выдающийся советский иллюстратор, график, педагог Евгений Адольфович Кибрик. Герц Кибрик, а именно такое имя он получил при рождении, появился на свет в зажиточной еврейской семье в Вознесенске. Его отец был крупным хлеботорговцем и судовладельцем. С детства Евгений Кибрик увлекался рисованием и чтением, посещал кружок изобразительного искусства, а в 1922 году поступил в художественный институт в Одессе.
В 1925 году Кибрик переезжает в Ленинград и поступает в ВХУТЕИН. В обучении в это время был принят поточный метод преподавания, что связанобыло с недоверием властей старой профессуре. Преподаватели менялись через день, внося сумятицу в головы студентов. Через два года Кибрик переходит в мастерскую Павла Филонова — одного из лидеров русского авангарда. Под большим влиянием мастера в 1930 году Кибриком выполнены иллюстрации к «Подпоручику Киже» Юрия Тынянова. В 1930-е годы художник полностью посвящает себя иллюстрации — «Невская повесть» Д. М. Лаврухина, 1933; «Тяжелый дивизион» А. Г. Лебеденко, 1934, и др. Кибрик вырабатывает уже собственную энергичную и жесткую манеру рисунка, цепко схватывающую зримые черты окружающего мира. Но определяющей явилась для него работа над книгой Р. Роллана «Кола Брюньон» (1934-36). Кибрика привлекают полнокровные, эпически цельные характеры, он придает своим героям открытый, театральный жест, активную мимику, нередко используя в качестве натурщиков профессиональных актеров. Он любит большой формат, дающий простор естественной свободе движений.
Шершавый, крупнозернистый штрих его литографий плотно и сочно ложится на страницу книги. Так строит Кибрик и следующую свою книгу — «Легенда об Уленшпигеле…» Ш. де Костера (1937-38). Великая Отечественная война подкрепила стремление художника к героическим темам и привлекла его внимание к русской классике: «Тарас Бульба» Н. В. Гоголя (1944-45).
Монументальному драматизму и героике своих лучших книг 1930-40-х гг. художник оставался верен и в поздних работах: «Как закалялась сталь» Н. А. Островского (1953-56), «Борис Годунов» А. С. Пушкина (1959-64), «Портрет» Н. В. Гоголя (1973-77).
Педагогическую деятельность Евгений Кибрик начал в 1953 году, став руководителем мастерской станковой графики МГАХИ им. В. И. Сурикова. Его уникальная методика преподавания, желание найти индивидуальный подход к каждому студенту, раскрыть новые грани таланта в каждом внушали почтение и уважение не только учеников, но и коллег. В 1962 году Кибрик становится заведующим кафедры графики. В течение 25 лет с 1953 по 1978 год художник был профессором МГАХИ им. Сурикова. Умер Евгений Кибрик 18 июля 1978 года, похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.
Они жили и творили в одно время. Поэтому эти два великих мастера и два огромных мира просто не могли не встретиться. Но встреча эта стала роковой..
В Воронежском областном художественном музее им. И.Н. Крамского стартовал очередной выставочный проект, реализуемый совместно с московской компанией «Артгит». Подобные совместные выставки всегда проходят с большим успехом, и собирают как подлинных ценителей искусства, так и тех, кто только начинает знакомиться с шедеврами великих мастеров.
Выставка дарит уникальную возможность знакомства с творческим наследием выдающихся и самобытных художников — Винсента Ван Гога и Поля Гогена, чьи имена золотыми буквами вписаны в историю мирового художественного искусства.
Название выставки отсылает зрителя к периоду совместной творческой работы, начавшемуся в 1888 году в городке Арль на юге Франции. Несмотря на то, что творческий союз продлился недолго, он оставил неизгладимый след в жизни и творчестве обоих художников.
В экспозиции представлены 79 литографий и ксилографий с картин художников, выполненных в США в 1948-1952 годах. Информационный материал, дополняющий выставку, повествует о ключевых моментах в биографиях двух великих мастеров.
Выставка продлится до 28 мая 2017 года.
Его имя остается в тени сына – Нобелевского лауреата Бориса Пастернака, но его картины хранятся в крупнейших музеях мира. 3 апреля исполняется 155 лет со дня рождения блестящего портретиста, великолепного иллюстратора Леонида Пастернака.
Будущий художник родился в большой семье в Одессе. Несмотря на увлечение сына рисованием родители хотели дать ему совершенно иную профессию. Следуя их воле, Леонид Пастернак поступил в Московский университет на медицинский факультет, но затем перевелся на юридический факультет в Новороссийский университет. В 1883 году параллельно Леонид Пастернак поступает в Мюнхенскую королевскую академию, где учится у блестящего рисовальщика Людвига фон Хертериха.
После службы в армии Леонид Пастернак пишет свою первую большую картину – «Письмо с Родины», эту работу прямо с мольберта приобрел для своей знаменитой галереи Павел Третьяков. Но любимой темой художника были семейные зарисовки. В 1889 году Пастернак женился на Розе Кауфман, в этом браке родилось четверо детей: сыновья Борис и Александр и дочери Жозефина и Лидия.
Пастернака называют первым русским импрессионистом, в своих работах он позволял себе и обобщения, и текучие контуры, умело владел колоритом, добиваясь мягкого свечения, характерного многим его картинам. Лев Толстой очень высоко ценил удивительные, резко выделяющиеся на фоне реалистической живописи работы Пастернака. Они встретились в 1893 году и с того момента художник написал несколько портретов великого писателя, а так же создал одни из лучших иллюстраций к произведениям Толстого.
Леонид Пастернак написал серию портретов Эйнштейна, с которым познакомился в Берлине. Живописец считается и основателем Ленинианы – он одним из первых запечатлел вождя, делая зарисовки на съездах и конгрессах.
В 1921 году Пастернак с женой и дочерьми уехал в Германию на лечение. В Советский Союз он больше не вернулся. В 1923 году вышел очерк художника «Рембрандт и еврейство в его творчестве». В 1938 году находиться в Германии стало особенно опасно, Леонид Пастернак собирался вернуться в Москву, но перед тем решил навестить дочь, жившую в Оксфорде. Война вынудила художника остаться в Англии. Он умер 31 мая 1945 года, 2 мая 1999 года в доме, где жил русский художник, был открыт музей Леонида Пастернака.
Виктор Борисов-Мусатов – русский художник, живописец, мастер символических изображений «дворянских гнезд».
Родился в Саратове в семье железнодорожного служащего. В раннем детстве получил травму позвоночника, от чего со временем на спине начал расти горб. Печать этой травмы отразилась на всей жизни художника. Несмотря на это Виктор Борисов-Мусатов был живым, общительным человеком, прирожденным лидером.
Первоначальные знания и навыки рисования получил от преподавателя рисования Ф.А. Васильева. В 1890-х годах учился изобразительному искусству в студии Саратовского общества изящных искусств, затем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в Петербургской Академии художеств. Во время учебы, в летний период, художник возвращался в Саратов. Именно родной край во многом повлиял на восприятие художника, своеобразно отразился в его работах. Ученические произведения Борисова-Мусатова становились объектом критики в среде педагогов, однако вызывали восторг у молодых художников.
Посвятив себя творчеству, художник добавил к своей фамилии имя своего дедушки. Борис Александрович Мусатов был незаурядной личностью, и его имя Виктор Мусатов присоединил в качестве первой фамилии к своей родовой, отсюда двойная фамилия мастера — Борисов-Мусатов.
В 1895 году Борисов-Мусатов отправился в Париж, где поступил в мастерскую Фернана Кормона. В Париже молодой художник провел несколько зим, он учился классическим приемам рисования и правильной технике, изучал произведения искусства маститых художников в музеях и галереях Парижа.
В 1898 году Борисов-Мусатов возвратился в Россию, в родной Саратов — «туда, где меньше людей, где все проще и чище». Путешествия помогли мастеру найти свой живописный язык. В это время начался его самый плодотворный период — все увиденное, пережитое и наработанное художник воплотил в серии работ. В 1901 году Виктор Борисов-Мусатов посетил Зубриловку — старинное имение князей Голицыных-Прозоровских, после чего он написал картину «Гобелен», запечатлевшую последние дни жизни помещичьего дома. Работы художника, выполненные в 1901-1903 гг. рассказывают об эпохе, уходившей в прошлое прямо на глазах. За них художника часто называют «мастером изображения дворянских гнезд». Эти работы на целое десятилетие определили развитие отечественного искусства: они повлияли на становление русского символизма в живописи и на творчество художников объединения «Голубая роза».
С конца 1903 года художник в Подольске, где создавал по шесть-девять законченных полотен в год. Писал пейзажи, а также занимался монументальной живописью. Работы Борисова-Мусатова приходились по вкусу не всем. В России его картины мало выставляли и редко покупали, поэтому материальное положение художника было плачевным. Зато его полюбили в Европе и даже избрали членом французского Национального общества изящных искусств.
Скончался художник в 1905 году, в Тарусе, где и был похоронен на берегу Оки.