Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Телефон для справок, заказ экскурсий:
+7 (473) 255-38-67
Menu
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
+7 (473) 255-38-67
Русский художник, архитектор, мастер самобытного русского модерна Сергей Васильевич Малютин родился в Москве в семье фабриканта. В три года остался сиротой и воспитывался у тетки в Воронеже. Выставка передвижников, состоявшаяся в Воронеже конце 1870-х годов, произвела на Сергея неизгладимое впечатление. Пораженный до глубины души живописью, созданной выдающимися художниками, Сергей Малютин твердо решил стать живописцем.
Для осуществления мечты Сергей Малютин возвратился в Москву и поступил в Училище живописи, ваяния и зодчества, где проучился три года. Его преподавателями стали В.Е. Маковский, И.М. Прянишников, Е.С. Сорокин.
Раннее творчество художника отличалось большим разнообразием. Он писал жанровые сцены, близкие манере передвижников, исторические картины, пейзажи. В девяностые годы он активно занимался сценографией и декоративной живописью, участвовал в оформлении постановок в различных театрах. На протяжении долгих лет основным направлением деятельности художника оставалась книжная графика: он создавал иллюстрации к сказкам А.С. Пушкина.
В 1900 г. Малютин Сергей Васильевич поселяется в Талашкино – усадьбе княгини М.К. Тенишевой, проявлявшей огромный интерес к народным художественным ремеслам. В том же году художник вошел в состав объединения художников «Мир искусства», вплоть до 1903 года Сергей Васильевич руководил художественными мастерскими. По его эскизам были выполняли внутреннее и внешнее убранство зданий в усадьбе, Москве и Смоленске. В этом своем творчестве Сергей Васильевич брал за основу образы народного творчестве, избегая слепого технического копирования традиций народного искусства. Недаром художник считается основателем оригинального русского модерна.
Сергей Малютин – один из активных создателей и пропагандистов «русского стиля» в искусстве. Первая матрешка, появившаяся в России в конце XIX века, изображавшая девушку в сарафане, белом фартуке, с цветастым платком на голове и черным петухом в руках была расписана по эскизам Сергея Малютина.
В 1903 году художник возвратился в Москву, вступил в «Союз русских художников» и начал преподавать в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (проработал 14 лет до 1917 г.). В этот период художник создал множество неповторимых портретов русской интеллигенции.
С 1918 по 1923 год Сергей Малютин преподавал в Высших художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС). В 1922 г. художник стал одним из организаторов «Ассоциации художников революционной России» (АХРР). В 1927 году вошел в художественную группу «Объединение художников-реалистов», где состоял до 1931 года.
Умер художник в возрасте 78 лет в Москве.
Пётр Иванович Шолохов родился в г. Борисоглебске в купеческой семье. В 1920 году окончил Борисоглебскую художественную студию, работал учителем рисования. Затем окончил ВХУТЕМАС, где учился у В.А. Фаворского, П.Я. Павлинова, А.Е. Архипова. С 1929 года – член Ассоциации художников революции.
Петр Шолохов — автор картин на военную тему, портретов, натюрмортов, живописных сюжетов, связанных с местами Льва Николаевича Толстого в Ясной Поляне и Антона Павловича Чехова в Мелихове, полотен на индустриальную тему.
Участник республиканских и всесоюзных выставок. Персональные выставки художника состоялись в Москве в 1959, 1975 и 1982 годах.
В 1982 году Петр Иванович передал в дар художественным музеям Воронежа и Борисоглебска более 100 своих работ.
Ряд живописных работ был передан в дар ВОХМ им. И.Н. Крамского и в 2009 году, когда в музее проходила презентация книги П.Шолохова «Глазами художника: земляки, коллеги, Великая Отечественная». Работы были переданы родственником художника А.Б. Шолоховым (сын художника Б.А. Шолохова).
Произведения Петра Шолохова хранятся также в Государственной Третьяковской галерее, Ясной Поляне, Мелиховском музее-заповеднике, музеях Серпухова, Таганрога.
Сергей Иванович Васильковский – яркий представитель украинской национальной школы живописи, продолживший традиции передвижников.
Родился в г. Изюм Харьковской губернии в семье писаря. Первые навыки в изобразительном искусстве получил в Харьковской гимназии, его учителем был Дмитрий Безперчий – бывший крепостной, соученик Тараса Шевченко по мастерской Карла Брюллова. После обучения в гимназии, по требованию отца, Васильковский поступил в Харьковское ветеринарное училище, учеба в котором прервалась в 1873 году из-за денежных трудностей.
С 1876 по 1885 год Сергей Васильковский обучался в Петербургской Академии художеств в пейзажном классе у М.К. Клодта и В.Д. Орловского. В 1883 году, путешествуя по Украине, Васильковский создал ряд известных пейзажей, что позволило ему принять участие в конкурсе на золотую медаль во всероссийской академической выставке. За пейзажные этюды, в которых он передавал живописность украинской природы, Васильковский получил 5 серебряных и одну малую золотую медаль, а за картину «На Донце» (не сохранилась) – большую золотую медаль и право на зарубежную поездку для профессионального совершенствования.
В марте 1886 года Васильковский отправился за границу. Путешествовал по Англии, Франции, Испании, Италии, Южной Африке и Германии. Там он знакомился с коллекциями художественных музеев, совершенствовал свое мастерство, руководствуясь советами В. Орловского и И. Похитонова, жившими в то время в Париже, много работал и выставлял свои работы в Парижском салоне.
Пребывание за границей усилило желание направить свой талант на развитие пейзажного жанра. Васильковский пешком прошел по Харьковский и Полтавской губерниям, спускался по Днепру до Запорожья. Во время путешествий рисовал леса и луга, сельские хаты и улицы в разное время года, с несложными жанровыми мотивами, органично вписывающимися в природу, – избегая упрощения, углубляя структуру образов.
Высоко ценя творческую независимость, Васильковский не связывал себя членством в каких-либо объединениях и представлял свои работы на выставки разных товариществ Петербурга, Харькова, Киева (первая персональная выставка художника состоялась в Харькове в 1900 году).
Сергей Васильковский оставил почти 3000 работ, перед смертью передав половину из них Харьковскому художественному музею. Большая часть из них погибла во время Великой Отечественной войны, и в настоящее время в музеях и частных собраниях находится около 500 его произведений.
24 октября 1875 года родился известный живописец, театральный художник, искусствовед и педагог Константин Федорович Юон. Он был третьим сыном директора страховой компании Теодора Юона, чьи предки были выходцами из Швейцарии. Мать художника увлекалась музыкой, однако, изобразительное искусство привлекало Константина сильнее, в 17 лет он поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Его учителями стали такие известные художники-передвижники как К.А. Савицкий, Н.А. Касаткин, А.Е. Архипов.
После окончания училища Константин Юон работал в мастерской прославленного Валентина Серова. С 1900 по 1917 гг. Константин Фёдорович руководил собственной мастерской. Среди его воспитанников — Вера Мухина, Владимир Фаворский, Александр Куприн.
В 1900 году Константин Юон женился на крестьянке из подмосковного села Лигачёво Клавдии Никитиной, с которой художник прожил долгую и счастливую жизнь.
После женитьбы художник часто жил и работал в Лигачёво, и село было частым сюжетом его картин. Несмотря на то, что художник писал и портреты и исторические сцены, участвовал в оформлении спектаклей, его любимым жанром оставался пейзаж.
Константин Юон – выдающийся колорист. Ярким примером этого служит картина, хранящаяся в Воронежском областном музее им. И.Н. Крамского «Уходящая провинция». Жизнерадостные яркие краски, уравновешенная композиция создают ощущение светлой грусти по стремительно уходящему времени.
В 1943 году Константин Юон был награжден Сталинской премией, в 1950 удостоен звания Народный художник.
В 1948–1950 годы Константин Юон возглавлял НИИ истории и теории изобразительного искусства Академии художеств СССР. В 1952–1955 — преподавал в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова. Художник до последнего дня вел активную творческую жизнь.
Умер Константин Юон 11 апреля 1958 года в возрасте 82 лет.
Елена Андреевна Киселёва родилась в Воронеже, в семье математика-педагога, впоследствии широко известного автора учебников по алгебре и геометрии.
Первоначальные художественные навыки получила в Воронежской бесплатной рисовальной школе. Окончив с золотой медалью Воронежскую Мариинскую гимназию, Елена Киселёва сначала поступила на математическое отделение Бестужевских курсов в Петербурге, а затем, в 1898 году, в Высшее художественное училище при Академии художеств, и с 1900 по 1907 годы занималась в мастерской Ильи Репина. Творения Киселёвой академического периода – портреты воронежских крестьянок, многочисленные картинные эскизы, очень близкие по живописной манере традициям передвижничества. Впоследствии имя Киселёвой Репин называл в числе наиболее одаренных женщин Академии.
После окончания Академии художеств Елена Киселёва продолжила обучение в Париже, став первой воспитанницей Академии, удостоившейся права на заграничную командировку. В Париже она познакомилась с различными направлениями и течениями в современном искусстве, которые своеобразно отразились в живописно-композиционном строе выполненных во Франции произведений.
Предреволюционное десятилетие стало самым плодотворным периодом в творчестве Елены Киселёвой. В это время в ее работах нашли выражение черты изысканной, присущей стилю модерн декоративности.
Особое место в творчестве Елены Киселёвой всегда занимали портреты. Художнице удавалось мастерски передать психологическое состояние своих моделей, создать вокруг них историю, отражающую их жизненный путь. В 1913 году в парижской мастерской она пишет портрет «Маруся», который сегодня жители столицы Черноземья любовно называют «воронежской Джокондой». Переданный в 1929 году в дар Воронежскому музею матерью художницы, этот портрет и для самой Киселёвой был своеобразным камертоном, эстетическим критерием в оценке своих собственных произведений.
В 1918 году Киселева выехала в Одессу и затем, спустя три года, вместе с мужем, Антоном Билимовичем, бывшим ректором Новороссийского университета и попечителем Одесского учебного округа, – в Белград, где провела всю оставшуюся жизнь. В Сербии и сегодня с большим уважением относятся к произведениям Елены Киселёвой. Художница активно участвовала в культурной жизни Белграда вплоть до смерти сына, после которой навсегда оставила искусство.
В какой-то момент имя Елены Киселёвой в России чуть было не оказалось забытым. Ведущую роль в раскрытии биографических обстоятельств и изучении творческого наследия Киселёвой сыграла старший научный сотрудник Воронежского художественного музея Маргарита Ивановна Лунева. Ее исследования и переписка с художницей позволили уточнить историю создания целого ряда произведений, а ее публикации до сих пор остаются наиболее исчерпывающим источником в изучении творчества Елены Киселёвой.
Современники сравнивали его работы с античными статуями, и действительно, шедевры Антонио Канова отличаются необыкновенным изяществом, плавностью форм и безупречностью композиции. Он достиг небывалой известности, выполнял заказы для папы римского Пия VII, был практически придворным ваятелем при дворе Наполеона I. Когда в живописи классицизма царствовал Давид, в скульптуре не было равных Антонио Канова.
Он родился 1 ноября 1757 года в крайне бедной семье каменотеса, очень рано осиротел. Венецианский сенатор Джованни Фалиеро, к которому мальчик поступил на службу, позволил юноше учиться ваянию, изучать античное искусство. В 1775 году восемнадцатилетний Канова создал свою первую значительную работу «Орфей и Эвридика». Она имела оглушительный успех, и Антонио Канова смог открыть собственную мастерскую в Венеции.
В 1779 году по заказу венецианского патриция появляется на свет скульптурная группа «Дедал и Икар». Это первая работа, в которой Канова использовал Х-образную композицию. Ось симметрии проходит по центру скульптуры, но при этом фигуры Икара и Дедала отклонены друг от друга. Этот прием мастер использовал и в дальнейшем.
В 1780 году Антонио Канова переехал в Рим, где много работал, продолжая изучать мастерство античных скульпторов. В 1802 году Канова получил предложение приехать в Париж для создания статуи Наполеона.
Последние годы своей жизни скульптор провел на родине в Поссаньо, близ Бассано. Умер мастер в Венеции в 1822 году и был похоронен в мавзолее (который сам же спроектировал) собора Санта-Мария Глориоза деи Фрари.
В Воронежском областном художественном музее им. И.Н. Крамского представлена копия известной скульптуры Антонио Кановы «Психея». Согласно древнегреческой мифологии Психея являлась олицетворением души, и изображалась в виде девушки с крыльями бабочки. Изящество статуи, ее размеренная уравновешенная композиция подчеркнута совершенством и плавностью линий.
Родился будущий скульптор в Вильне (ныне Вильнюс), в семье трактирщика. Фамилия происходит от названия пригорода Антоколь (один из районов города), где и жила семья. Детство Марка Матвеевича было не из легких. Вот как сам скульптор высказывался о нем: «Детство мое слишком мрачно, да так мрачно, что я с содроганием вспоминаю. Я был нелюбимым ребенком, и мне доставалось от всех. Кто хотел бил меня, даже прислуга; а ласкать меня никто не ласкал. Я донашивал старые одежды, меня звали «истуканом», «оловянные руки». Я справлял в семействе должность рабочей лошади. Не унижала меня только мать моя».
Родители относились к увлечению сына рисованием резко негативно, но, несмотря на это устроили мальчика подмастерьем к резчику по дереву. Его работы впечатлили виленского генерал-губернатора В.И. Назимова, и он поспособствовал поступлению Марка Антокольского в Академию художеств.
Скульптор не только выучил русский язык, но и увлекся русской культурой и историей. Первая большая работа Антокольского «Иван Грозный» имела огромный успех и была приобретена Александром II для Эрмитажа. В дальнейшем мастер создал много образов из русской истории, таких как: Нестор-летописец, Ермак, Ярослав Мудрый.
В Воронежском областном художественном музее им. И.Н. Крамского представлена скульптура «Христос перед судом народа» выполненная в бронзе.
Сам скульптор говорил о своем произведении: «Я выбрал этот момент потому, что здесь и связался узел драмы, его душевное движение в эту минуту является необыкновенно грандиозным». Иисус предстает перед зрителем в полный рост со связанными за спиной руками. Он внешне спокоен, но за этим спокойствием кроется подлинная сила, решимость и глубокая человечность.
«В статуе я хотел создать тишину и глубину, внешнюю простоту с внутренней глубиной…» – писал скульптор.
Европа с восторгом приняла работу Марка Матвеевича. На Всемирной выставке 1878 года в Париже за скульптуру «Христос перед судом народа» он получил медаль и орден Почетного легиона. В России критики отнеслись к работе весьма скептически. Однако, несмотря на многочисленные негативные отзывы, были и те, кто оценил новаторство автора. К примеру, Репин, Тургенев и Стасов назвали скульптуру гениальной.
Антокольский считал себя русским художником: «Вся душа моя принадлежит той стране, где я родился и с которой свыкся. На севере сердце мое бьется сильнее. Я глубже там дышу и более чуток ко всему, что там происходит. Вот почему, что бы я ни сделал, будет всегда результатом тех задушевных впечатлений, которыми матушка-Русь вскормила», – писал Антокольский В.В.Стасову.
Но в 1893 году Антокольский навсегда оставил Россию. К отъезду его подтолкнуло прогрессирующее ухудшение состояния здоровья и провал его персональной выставки в Петербургской Академии художеств. С 1897 года он проводил часть времени в Италии на Лаго-Маджоре, но все же, в приоритете для него оставалась работа в Париже.
Умер Марк Антокольский 9 июля 1902 года во Франкфурте-на-Майне в Германии от болезни легких. Похоронили известного скульптора в России в Санкт-Петербурге, на Еврейском Преображенском кладбище.
Аннибале Карраччи– одно из множества блистательных имен в истории итальянской живописи. Рожденный в 1560 году в Болонье в семье ремесленника, юный Карраччи понял, что ремесленничество не удовлетворит его амбиции, и вслед за старшим братом Агостино и кузеном Лодовико будущий художник решил посвятить свою жизнь искусству. Ранние годы ученичества Аннибале скрыты завесой тайны, но принято считать, что становление стиля Караччи произошло под влиянием популярного в этот период направления — позднего маньеризма.
Несмотря на это, уже в ранних работах Аннибале в полной мере проявилась самобытность его техники. Особенности работы с цветом вызвали поток критики со стороны приверженцев классической старой школы. Но юного художника не остановили нападки общества, и в дальнейшем его стиль продолжал развиваться. Уже в 1582 году братья Карраччи заслужили похвалу своему мастерству – заказ на роспись дворца Фава в Болонье. Исследователи сходятся во мнении, что эта работа является образцом удивительного стилевого единства. Роспись трех залов, представлявшая сцены из античной мифологии, заняла у братьев около двух лет. Результат нового труда Карраччи вызвал уже не критику, а зависть менее удачливых коллег.
В 1585 году Аннибале и Агостино Карраччи основали собственную школу, получившую впоследствии название «Академия желающих». Аннибале принимал деятельное участие в педагогической и художественной деятельности Академии.
В 1597 г. Аннибале Карраччи был приглашён в Рим кардиналом Фарнезе для оформления Палаццо Фарнезе фресковой росписью на мифологические сюжеты. Эта работа заняла у Аннибале и его брата Агостино вместе с учениками восемь лет. Созданные ими фрески носили названия: «Триумф Вакха и Ариадны», «Меркурий и Парис», «Пан и Дианы», «Юпитер и Юнона» и др., замечательные по своему удачному распределению, по осмысленности и разнообразию композиции и по свежести красок принадлежат к числу особенно удачных произведений художника.
В 1602 году Аннибале Карраччи получает заказ на оформление римской капеллы Эррера де Сан Джакомо дельи Спаньоли. Однако, с начала 1605 года сильные ревматические боли лишили художника возможности заниматься живописью.
Несмотря на всеобщее признание, Аннибале Карраччи умер в возрасте 49 лет в нищете и был похоронен в соответствии с его предсмертной просьбой в Пантеоне, рядом с Рафаэлем Санти, великим итальянским живописцем.
28 октября 2017 года сотрудники ВОХМ им. И.Н. Крамского приняли участие в общегородском субботнике.
В ходе субботника были проведены следующие работы:
— уборка листвы и травы с газона;
— уборка прилегающей территории, асфальтированной и вымощенной плиткой;
— уборка территории внутреннего двора музея;
— смазка петель и замков всех ворот;
— очистка отмостки и фундамента основного здания музея;
— очистка от листвы дренажного желоба водостока по периметру основного здания;
Всего в субботнике приняли участие 19 сотрудников музея.
В воскресенье 22 октября состоялся первый мастер-класс из серии «Пятном и линией. Графические техники и приемы» для профессионалов и любителей (под чутким руководством художника Дениса Булавинцева).
Занятие рассказало об одном из видов изобразительного искусства — графике, о ее роли в искусстве, познакомило с понятием «гравюра» и ее разновидностями, и увлекло созданием собственных шедевров (линогравюр).