Телефон для справок, заказ экскурсий:
+7 (473) 255-38-67
Menu
На официальном сайте Воронежского областного художественного музея им. И. Н. Крамского используются файлы «cookie» с целью повышения удобства пользования веб-сайтом. Если вы не хотите, чтобы ваши пользовательские данные обрабатывались, вы можете ограничить их использование в настройках браузера
+7 (473) 255-38-67
Самый большой и самый известный витраж России — изображение воскресшего Спасителя в Исаакиевском соборе Санкт-Петербурга, — был создан в 1843 году по эскизу немецкого художника Генриха Марии фон Хесса. Изготовлением же витража площадью 28,5 квадратных метров руководил один из самых значительных технологов и мастеров стекольной живописи в истории немецкого витражного искусства нового времени Макс Эммануэль Айнмиллер.
Макс Айнмиллер родился 14 февраля 1807 года в Мюнхене и был инспектором института для возобновления средневековой живописи на стекле. Он достиг необычайных успехов в технике изготовления цветных стекол, создав более сотни цветов и оттенков. Его работы украшают соборы не только Германии, их можно увидеть и в России, и в Ватикане и даже в США. Людвиг I заказал Айнмиллеру витражи для Кельнского собора, Регенсбургский и Аугсбурский соборы также могут похвастаться окнами, украшенными Айнмиллером. Для Ватикана художником были созданы два величественных витража с фигурами Петра и Павла. Однако лучшей и наиболее известной работой Айнмиллера являются 40 окон для собора в Глазго, на которых изображены более сотни сюжетов из библии, исполненные вместе с сыном художника Генрихом.
Умер художник 8 декабря 1870 года в родном Мюнхене и похоронен на Старом южном кладбище города.
21 февраля 1906 года родился выдающийся советский иллюстратор, график, педагог Евгений Адольфович Кибрик. Герц Кибрик, а именно такое имя он получил при рождении, появился на свет в зажиточной еврейской семье в Вознесенске. Его отец был крупным хлеботорговцем и судовладельцем. С детства Евгений Кибрик увлекался рисованием и чтением, посещал кружок изобразительного искусства, а в 1922 году поступил в художественный институт в Одессе.
В 1925 году Кибрик переезжает в Ленинград и поступает в ВХУТЕИН. В обучении в это время был принят поточный метод преподавания, что связанобыло с недоверием властей старой профессуре. Преподаватели менялись через день, внося сумятицу в головы студентов. Через два года Кибрик переходит в мастерскую Павла Филонова — одного из лидеров русского авангарда. Под большим влиянием мастера в 1930 году Кибриком выполнены иллюстрации к «Подпоручику Киже» Юрия Тынянова. В 1930-е годы художник полностью посвящает себя иллюстрации — «Невская повесть» Д. М. Лаврухина, 1933; «Тяжелый дивизион» А. Г. Лебеденко, 1934, и др. Кибрик вырабатывает уже собственную энергичную и жесткую манеру рисунка, цепко схватывающую зримые черты окружающего мира. Но определяющей явилась для него работа над книгой Р. Роллана «Кола Брюньон» (1934-36). Кибрика привлекают полнокровные, эпически цельные характеры, он придает своим героям открытый, театральный жест, активную мимику, нередко используя в качестве натурщиков профессиональных актеров. Он любит большой формат, дающий простор естественной свободе движений.
Шершавый, крупнозернистый штрих его литографий плотно и сочно ложится на страницу книги. Так строит Кибрик и следующую свою книгу — «Легенда об Уленшпигеле…» Ш. де Костера (1937-38). Великая Отечественная война подкрепила стремление художника к героическим темам и привлекла его внимание к русской классике: «Тарас Бульба» Н. В. Гоголя (1944-45).
Монументальному драматизму и героике своих лучших книг 1930-40-х гг. художник оставался верен и в поздних работах: «Как закалялась сталь» Н. А. Островского (1953-56), «Борис Годунов» А. С. Пушкина (1959-64), «Портрет» Н. В. Гоголя (1973-77).
Педагогическую деятельность Евгений Кибрик начал в 1953 году, став руководителем мастерской станковой графики МГАХИ им. В. И. Сурикова. Его уникальная методика преподавания, желание найти индивидуальный подход к каждому студенту, раскрыть новые грани таланта в каждом внушали почтение и уважение не только учеников, но и коллег. В 1962 году Кибрик становится заведующим кафедры графики. В течение 25 лет с 1953 по 1978 год художник был профессором МГАХИ им. Сурикова. Умер Евгений Кибрик 18 июля 1978 года, похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.
Великий французский художник, один из основоположников импрессионизма Огюст Ренуар родился в Лиможе, в семье небогатого портного. В 1844 году семейство Ренуаров перебралось в Париж. В тринадцать лет Ренуар начал путь живописца на Севрской мануфактуре, но печатный декор оказался быстрее и дешевле ручной работы, и юноша лишился работы. Тогда он начал расписывать веера, затем нашел новое место у фабриканта, промышлявшего изготовлением штор.
В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с Клодом Моне и Альфредом Сислеем. Успех пришел к импрессионистам далеко не сразу, на скандальной выставке молодых художников в 1874 г. в ателье Надара их творчество было буквально уничтожено презрительными и гневными откликами критиков и зрителей, но картина, написанная двумя годами позднее, «Мулен де ла Галетт», принесла Ренуару признание. Живопись художника пленила современников радостной и беззаботной атмосферой. Легкая цветовая гамма, использование прозрачных мазков и чистых цветов придает работам Ренуара будто пронизанную солнцем атмосферу.
«Завтрак гребцов», написанный в 1881 году, также наполнен покоем и безмятежной радостью, на картине особенно выделяется очаровательная девушка с собачкой, будущая жена художника, Алина Шариго.
В 80-е годы уже достигший славы художник вдруг ощущает неудовлетворенность прежней импрессионистической манерой живописи, поиск нового творческого развития возвращает его к академическому искусству. Этот период творчества Ренуара называют «энгровским», картинам свойственна более холодная изысканная цветовая гамма, контуры становятся резко очерченными, строгая трактовка композиции с использованием ритмических повторов.
3 декабря 1919 года Пьер Огюст Ренуар скончался в Кане от воспаления легких в возрасте 78 лет.
Идиллические сцены сельской жизни, выполненные в реалистичной манере — основная линия творчества известного французского живописца Жюля Бретона. Его работы проникнуты любовью к родному краю, уважением к его традициям.
Жюль Бретон родился 1 мая 1827 года в семье управляющего крупным поместьем. Мальчик рано потерял мать, она скончалась, когда ему только исполнилось 4 года. Жюля и его младшего брата воспитывали отец и бабушка по материнской линии. В 1842 году талант юноши разглядел художник Феликс де Вин, который убедил семью Жюля Бретона отпустить его в Гент изучать искусство.
Под влиянием Феликса де Вина, Бретон пишет картины преимущественно на исторические сюжеты, и эти полотна имеют успех. Однако, в 1852 году, вернувшись на родину, молодой живописец понимает, что более всего его волнует и вдохновляет простая сельская жизнь, будни крестьян и природа французской провинции. В 1853 году он выставляет «Возвращение с жатвы», это произведение потрясло современников художника своей простотой и в тоже время изысканностью и принесло успех автору. Жюль Бретон получает множество заказов, в том числе и государственных, в 1857 году он завоевывает медаль на парижском Салоне, где он выставил картину «Благословение пшеницы». В 1858 году художник женится на Элоди де Вин, дочери своего учителя.
Его известность не переставала расти — в 1870-1890 годы мастер много работает, картины и гравюры с картин Жюля Бретона украшают многие музеи мира и частные коллекции. Бруклинский музей приобрел у художника работу 1886 года «Конец рабочего дня». Поэтическое изображение женских фигур в лучах заходящего солнца произвело большое впечатление на американскую публику. Известность Бретона в те годы подчеркивает и случай, описанный в книге Ирвинга Стоуна «Жажда жизни», когда молодой Ван Гог, с трудом добравшись до мастерской художника, так и не решился потревожить столь именитого живописца.
Жюль Бретон умер в Париже 5 июля 1906 года в возрасте 79 лет.
Одна из самых ценных коллекций картин в Севилье находится в церкви при госпитале Милосердия. Основные работы по оформлению храма были выполнены ведущими художниками севильской школы — Бартоломео Мурильо и Вальдесом Леалем. В истории испанской живописи сохранились воспоминания о взаимной неприязни двух великих мастеров эпохи барокко. Эту неприязнь зачастую связывают с проявление зависти Леаля к своему более знаменитому собрату. Однако настоящая причина их конфликта — громадная разница в их характерах. Об этом в первую очередь говорят их картины. Нервные линии, драматичная игра светотени, пессимистичные сюжеты и при этом яркие открытые цвета Вальдеса Леаля противоположены элегичной, мягкой живописи Мурильо.
Хуан де Вальдес Леаль родился 4 мая 1622 года в Севилье в семье ювелира. О ранних года художника известно мало, однако есть сведения, что образование он начал получать в Кордове у мастера Антонио дель Кастильо. В 1647 году Вальдес Леаль женился на девушке благородного происхождения по имени Елизавета, а в 1649 году молодой семье пришлось покинуть Кордову из-за эпидемии чумы. Художник вернулся в родной город, где и прожил до конца своих дней.
Самым значительным произведением раннего периода творчества художника является большой цикл «История святой Клары», выполненный в 1653-1654 гг. для монастыря в Кармоне. В 1657 году Вальдес Леаль получает заказ для монастыря иеронимитов на цикл картин из жизни святого Иеронима и большие портретные работы самих монахов. Несмотря на кажущуюся небрежность рисунка, фигуры монахов поражают своей индивидуальностью. В 1658 году художник начинает большой заказ — для монастыря кармелитов он расписывает алтарь сценами из жизни святого Илии.
Хуан Вальдес Леаль много и плодотворно работал в течении своей жизни, но главным творением художника все же является церковь при госпитале Милосердия, для которой он создал пронзительные, самобытные и страстные картины, подобных которым нет в испанской живописи.
Художник скончался в Севилье 15 октября 1690 года в возрасте 68 лет.
В 30-е годы XX века передать простоту и радость жизни, используя камерно-интимные сюжеты, оказалось непростой задачей. Искусство того периода пропагандистское — человек молодого советского государства напоминает античную статую: мощный, прекрасный и холодный. Такие герои смотрят на нас с полотен Дейнеки или, например, Самохвалова. Работы Николая Тырсы совершенно иного рода, его картины населяют обычные люди; некоторая этюдность, незавершенность придает его живописи особенную чувственную атмосферу. Художник считал обязательным сохранить индивидуальный почерк: «Качество картины может быть в обратном отношении к затраченному времени».
Тырса Николай Андреевич родился 9 мая 1887 году в семье казака, офицера Кубанского казачьего войска. В 1905 году он начал обучение архитектуре в Петербурге, но так и не закончил. Одновременно Николай посещал художественную школу Званцевой, где преподавали такие известные мастера как Добужинский и Бакст. Тырса всю жизнь считал себя продолжателем традиций «Мира искусства».
Николай Тырса выезжал в творческие поездки и участвовал в реставрации старинных росписей в Ферапонтовом монастыре, церквях Новгорода, Ярославля и других городов.
В 1916 году художник был призван на фронт, служил в автомобильном батальоне. Революционные веяния не обошли его стороной, Николай Тырса вступил в «Союз молодежи» и активно занялся политической деятельностью. Он горячо поддержал революцию, увидев в ней новые возможности, как и многие его современники, художник стал организатором объединения «Свобода искусству», был одним из основателей ВХУТЕМАСа. В 1918 году Тырсе было поручено оформить Петроград к первой годовщине Октября. В этот период он много занимался общественной деятельностью, участвовал во многих выставках, в том числе и международных.
Но уже в середине 20-х годов Николай Тырса отходит от активной общественной деятельности, занявшись книжной графикой и преподаванием. Он иллюстрировал произведения Пушкина, Льва Толстого, Лермонтова, стал членом Ученого совета Русского музея, углубившись в научную работу.
15 июня 1941 года в Ленинграде открылась персональная выставка Николая Тырсы. Блокаду художник не пережил. В начале 1942 его уже умирающего вывезли из Петербурга, он скончался в Вологде 10 февраля.
9 мая 1866 года родился известный представитель русского модерна, сценограф, иллюстратор, участник объединения «Мир искусства», Лев Бакст.
Лейб-Хаим Израилевич Розенберг, а именно такое имя было дано Баксту при рождении, появился на свет в Гродно в небогатой еврейской семье. В скором времени Розенберги переехали в Санкт-Петербург.
Тяга к живописи проявлялась у Бакста с детства, и в 1883 году он поступил в Академию художеств вольнослушателем. Учился Бакст не очень усердно, возможно, потому что преподавание носило академических характер, не откликаясь на новые веяния в изобразительном искусстве. В 1887 году он провалил конкурс на серебряную медаль и ушел из Академии.
Молодой художник зарабатывал на жизнь иллюстрацией детских книг. В 1889 году Лейб-Хаим Розенберг стал ЛьвомБакстом. Свою новую фамилию, точнее псевдоним, художник позаимствовал у бабушки по линии матери, несколько укоротив её. Фамилия бабушки была Бакстер. Появление броского псевдонима было связано с первой выставкой, на которой художник решил представить свои работы.
В 1893 —1897 годах Лев Бакст жил и работал в Париже часто возвращаясь в Санкт-Петербург, где познакомился с «Невскими пиквикианцами». Это был кружок, организованный известным русским художником, историком искусства, художественным критиком Александром Бенуа. В кружок входили Константин Сомов, Дмитрий Философов, Сергей Дягилев и некоторые другие художники, искусствоведы и литераторы, образовавшие со временем, знаменитое художественное объединения «Мир искусства». В 1898 году вышел в свет первый номер журнала «Мир Искусства», редактором журнала стал Сергей Дягилев, а художественный отдел журнала возглавил Лев Бакст.
Бакст вошел и в балетную группу организатора «Русских сезонов» в Париже Сергея Дягилева. Эти постановки, положенные в основу, «Русских сезонов», потрясли пресыщенных французов, вызвали у них бурю ни с чем несравнимого восторга. Своим триумфом «Русские сезоны» Дягилева были, в первую очередь, обязаны исключительным по красоте постановкам Бакста. Художник приобрел чрезвычайную популярность в Париже. Русский поэт Максимилиан Волошин писал: «Бакст сумел ухватить тот неуловимый нерв Парижа, который правит модой, и его влияние в настоящую минуту сказывается везде в Париже — как в дамских платьях, так и на картинных выставках». Французское правительство наградило Бакста орденом Почетного легиона.
Художник также много и охотно писал портреты — Левитана, Дягилева, Розанова, Зинаиды Гиппиус, Айседоры Дункан, Жана Кокто, Константина Сомова, Андрея Белого.
Лев Бакст умер 27 декабря 1924 года в Париже, на 58 году жизни, и был похоронен на парижском кладбище Батиньоль.
В начале XX века возникает новое течение в живописи, основанное на конструировании объемной формы, расчлененной на геометрические элементы. Картины превращаются в плоскостные панно, лишенные перспективы и светотени. Один из основоположников кубизма — художник Жорж Брак.
Он родился 13 мая 1882 года, изучать живопись начал довольно рано в Школе изящных искусств. В 1900 году Брак приехал в Париж, где стал посещать Академию Эмбра. Там, познакомившись с Дюфи и Фриезом, он увлекся фовизмом и достиг в этом направлении значительных успехов. Все его работы, выставленные в Салоне Независимых в 1906 году, были раскуплены.
1907 год стал знаковым в творчестве Жоржа Брака. Он посетил масштабную выставку Сезанна и познакомился с Пикассо и его «Авиньонскими девицами». Так в его творчестве и в творчестве Пикассо начался «сезанновский» период кубизма, в котором цвет играет значительную роль, усиливая объем. Дальше их поиски привели к рождению следующего этапа — аналитического кубизма. Привычные образы предметов разрушались на отдельные пространственные структуры, объемы исчезали, превращаясь в причудливый орнамент из острых углов и криволинейных акцентов. В 1912 году Брак стал вводить в картины буквенные трафареты, наклейки, смешивать краски с песком, древесными и железными опилками, добавлять бумажные аппликации, создавать коллажи. Этот стиль получил название «синтетический кубизм».
С началом Первой мировой войны Брак был призван на фронт, где получил тяжелое ранение в 1915 году, к живописи он смог вернуться только через два года. Между войнами он пишет неоклассические вещи, декоративные, в которых, тем не менее, видна суровая школа кубизма.
Умер Жорж Брак в возрасте 81 года в Париже. А его произведения, ставшие своеобразным художественным символом XX века, сейчас занимают достойное место в крупнейших музеях мира, среди которых Парижский национальный музей современного искусства и Центр Помпиду.
«Нет чертовщины хуже, чем писание портретов», – отмечал самый известный английский портретист XVIII века Томас Гейнсборо. Он считал своим истинным призванием пейзажи, но среди аристократии они не имели успеха, однако в жанре портрета художник стал непревзойденным мастером. Остро чувствующий характер портретируемого, он создавал изысканные образы, его герои часто изображены на фоне пейзажа, в непринужденной атмосфере; колорит, построенный на сочетании холодных голубовато-серебристых тонов, покоряет благородством и гармонией.
Томас Гейнсборо родился в Суффолке в семье торговца сукном. Он очень рано уехал из семьи, с 13 лет мальчик уже самостоятельно жил в Лондоне и зарабатывал, продавая свои этюды. Томас Гейнсборо обучался у известного портретиста Френсиса Хаймена и пейзажиста Гюбера Гравело, который привнес в художественный стиль начинающего художника элементы рококо.
15 июля 1746 года Гейнсборо обвенчался с Маргарет Барр, а через несколько лет перебрался из шумной столицы в провинциальный Ипсвич. Основным заработком художника становятся портреты. Когда он переселился в Бат в начале 1760 года, на него обрушивается настоящая популярность. Картины кисти Томаса Гейнсборо отличает особая легкость, непринужденность, утонченность и изящество. Многие аристократы ждали очереди по нескольку лет, желая иметь портрет, написанный Гейнсборо.
В излюбленной серебристо-голубой гамме написан «Мальчик в голубом», портрет Дж. Баттола. Картина наполнена поэзией и музыкальностью, лицо подростка меланхолично и взволновано, фигура мальчика выделяется на фоне вечернего пейзажа, жемчужно-серые, оливковые и голубые тона составляют удивительную сложную колористическую симфонию.
В конце жизни Гейнсборо переезжает в Лондон, но в его работах чаще встречаются сентиментальные портреты крестьянских детей, пейзажи и даже жанровые сценки.
Анна Петровна Остроумова-Лебедева — русский художник, график, живописец-акварелист, мастер пейзажа, родилась 17 мая 1871 года в Санкт-Петербурге в семье высокопоставленного чиновника. Она начала заниматься живописью еще гимназисткой, а в 1889-1892 годах обучалась искусству графики в классе Василия Васильевича Матэ в Училище технического рисования барона Александра Людвиговича Штиглица. В 1892-1900 годах продолжила обучение в Петербургской Академии Художеств, ее преподавателями были Илья Репин, Константин Савицкий и Павел Чистяков.
Обучаясь в 1898-1899 годах в Париже, художница знакомится с Сомовым, Бенуа и в 1900 году дебютирует со своими гравюрами на выставке «Мира искусства».
Не смотря на то, что Остроумова-Лебедева пробовала свои силы во многих жанрах — известны и портреты, и натюрморты ее кисти, но чаще свои гравюры и акварели художница посвящала Петербургу. Её городские пейзажи полны простоты и величия, лаконичности и изящества.
После революции Остроумова-Лебедева преподавала в Высшем институте фотографии и фототехники, в 1934-1935 годах — в Академии художеств. Во время Великой Отечественной войны осталась в Ленинграде, создала ряд пронзительных графических образов блокадного города. После войны в 1946 году Остроумова-Лебедева была удостоена звания народного художника РСФСР. Анна Петровна Остроумова-Лебедева положила начало возрождению русской оригинальной хромолитографии и цветной ксилографии.
Скончалась Остроумова-Лебедева в 1955 году в Ленинграде.