Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Телефон для справок, заказ экскурсий:
+7 (473) 255-38-67
Menu
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
+7 (473) 255-38-67
Особое поэтическое очарование отличает картины Антуана Ватто, легкость и пластичность, особая изысканность колорита и декоративность, свойственные его работам, послужили основой сложения стиля рококко.
Родился Антуан Ватто 10 октября 1684 года в семье обыкновенного плотника. Отец не имел симпатии к художественным наклонностям сына, хотя позволил ему быть учеником городского художника Жак-Альбер Герена. Когда Антуану исполнилось восемнадцать лет, в 1702 году, он ушел из дома и отправился в Париж, где устроился копировальщиком. Это была тяжёлая работа, за небольшую оплату, заработанных денег еле хватало на пропитание.
Биография Антуана Ватто изменила свой ход в 1703 благодаря знакомству с Клодом Жилло. Последний разглядел потенциал молодого художника и предложил ему статус ученика. В период с 1708 по 1709 Ватто обучался у Клода Одрана. Общение с этими художниками пробудило интерес к театру и декоративному искусству. Большое влияние на творчество оказали произведения Рубенса, которые Антуан изучал в Люксембургском дворце.
Желая попасть в Рим, Антуан Ватто решает поступить в художественную академию и в 1717 году пишет одну из своих лучших работ — «Паломничество на остров Киферу». За эту работу он получает специальное звание «художника галантных празднеств». Не менее знаменита картина «Капризница», написанная в 1718 году. Сущность сцен картин художника раскрывается не только прямым сюжетом, а в основном тончайшей поэтичностью, которой они проникнуты.
В конце 1717 года Ватто заболел туберкулёзом, в те времена это был смертный приговор. Болезнь отобразилась проявлением грусти в его работах. Некоторое время он пытался сопротивляться, даже посещает Великобританию в конце 1719 году, чтобы сменить климат. Последние дни Антуан Ватто провёл в загородном доме своего друга, он скончался от болезни 18 июля 1721 года. За свои 37 лет он оставил потомкам около двадцати тысяч картин.
В конце 1717 года Ватто заболел туберкулёзом, в те времена это был смертный приговор. Болезнь отобразилась проявлением грусти в его работах. Некоторое время он пытался сопротивляться, даже посещает Великобританию в конце 1719 году, чтобы сменить климат. Последние дни Антуан Ватто провёл в загородном доме своего друга, он скончался от болезни 18 июля 1721 года. За свои 37 лет он оставил потомкам около двадцати тысяч картин.
Пабло Пикассо по праву можно назвать величайшим художником XX века. Значимость его творчества для мирового искусства можно сравнить, наверно, с вкладом мастеров Возрождения. Гениальный экспериментатор, он всегда находился в поиске и развитии, выражая в своих работах трагизм и красоту окружающего мира.
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге в семье преподавателя рисования. С самого раннего возраста проявился необыкновенный талант Пабло, в 14 лет он стал самым юным учеником Школы изящных искусств в Барселоне. Между 1900 и 1902 годами, Пикассо совершил три поездки в Париж и окончательно обосновался там в 1904. Париж в начале XXвека был поистине культурной столицей мира, что, конечно, и привлекло молодого художника. Этот период в творческой биографии Пикассо носит название «голубого» по основному колориту его работ и их минорному содержанию, однако к 1905 году цветовая гамма начинает теплеть, начинается так называемый «розовый» период. Но уже через несколько лет Пикассо увлекается экспериментами с формой, вместе с Жоржем Браком он разрабатывает основные принципы совершенно нового художественного направления — кубизма. Наиболее известной работой этого периода является картина 1907 года «Авиньонские девицы».
Встреча с Ольгой Хохловой вновь вернула Пикассо к реалистическому взгляду на мир, но когда их отношения омрачили постоянные скандалы, изменился и почерк художника. В этот период он создает мрачный ирреальный мир. Однако не все работы, выполненные в сюрреалистической манере, выглядят пугающе, в 1932 Пикассо влюбляется в юную Мари-Терез Вальтер и создает множество ее скульптурных и живописных портретов.
В 1937 году немецкой авиацией был разрушен город Герника. Это чудовищное злодеяние глубоко тронуло художника. Он пишет огромное полотно, выставленное в павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. На картине «Герника» в сюрреалистической манере изображены ужасы войны — плачущая женщина с мертвым ребенком на руках, павший воин, раненные и кричащие от ужаса люди.
В послевоенные годы Пикассо сближается с Франсуазой Жило и переезжает на юг Франции. В этот период он увлекается керамикой, работает над серией живописных работ из 27 картин для замка княжеской семьи Гримальди в Антибе.
В 1953 Франсуаза Жило и Пикассо расходятся, художник тяжело переживает этот разрыв, однако уже в следующем году он встречает Жаклин Рок, ставшую его последней любовью и музой.
Умер Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года в возрасте 92 лет.
Рени Гвидо — итальянский живописец болонской школы, мастер барокко, выпускник Болонской академии художеств, ставший проводником и наследником ее живописной традиции и педагогической системы. Непосредственно Рени учился у Аннибале Карраччи, был, как и его учитель, поклонником античности и Рафаэля.
После переезда в Рим Гвидо Рени помогает Карраччи в росписях Галереи Фарнезе, а также изучает живопись Караваджо. После смерти учителя в 1609 году, Гвидо Рени, завоевав уже известность, станет фактически главой живописной школы Рима, центральной фигурой в кругу работающих здесь болонских мастеров.
Влияние живописной манеры Караваджо отразилось во многих работах Гвидо Рени, в том числе в известном полотне «Избиение младенцев». Динамичная композиция и драматизм, театральность и декоративность свойственны этой работе. Особенно выразительна фигура матери с младенцем на руках, с криком убегающей от убийцы, с занесенном ножом.
На протяжении всего творчества Рени будет сохранять верность своей стилистике, основанной на богатой палитре ярких холодных цветов и динамичной композиции. Хотя со временем живописная манера художника приобретет большую утонченность: краски станут более прозрачными, образы более печальными и нежными.
Гвидо Рени стал одним из образцов для подражания в системе европейского академического обучения в XVII-XIX веков, как самый верный последователь классицистического принципа соединения идеализации и натурности. Искусство Гвидо Рени оказало большое влияние на мастеров академического направления в европейском искусстве.
175 лет назад 12 ноября 1840 года родился выдающийся скульптор Огюст Роден. Великий бунтарь и экспериментатор, он смог вдохнуть в скульптуру жизнь, передавая в пластике тела весь спектр человеческих эмоций.
Роден родился в небогатой семье, его отец был мелким служащим, а мать — простой горничной. Желание сына стать художником не вызвало одобрения родителей, однако благодаря поддержке старшей сестры, Огюсту было позволено поступить в бесплатную школу рисования, где он проучился 3 года. После окончания школы и трех безуспешных попыток поступления в Школу изящных искусств Роден устраивается на работу декоратором.
В 1864 на парижском Салоне Огюстом Роденом была предпринята попытка показать его первую работу — «Человек со сломанным носом». Попытка оказалась неудачной, необычность работы шокировала публику.
С 1864 по 1870 гг. Роден работал в мастерской Альберта Каррье-Берёза, создавая декоративные скульптуры, затем с 1871 по 1877 гг. работал в Брюсселе. Работ этого периода почти не сохранилось или же их трудно идентифицировать, поскольку скульптор их не подписывал.
Лучшие свои скульптуры он создал уже в зрелом возрасте. В 1880 году правительство поручило Родену оформить центральный вход в строящийся Музей декоративного искусства в Париже. Над этой работой мастер работал почти до конца жизни, назвав её «Вратами ада», которые стали величайшим творением Родена.
Жизнь Огюста Родена знаменита двумя историями любви — преданной Розы Бёре, с который прожил скульптор больше полувека в гражданском браке и женился в 76 лет за 2 недели до ее смерти, и страстной Камиллы Клодель, которая не смотря на талант так и осталась в истории как ученица и любовница великого Родена.
14 ноября 1840 года родился французский живописец, один из родоначальников импрессионизма Клод Моне. Новое направление получило свое название благодаря картине художника «Впечатление. Восход солнца». Импрессионисты хотели передать в своих работах изменчивость жизни, свежесть первого впечатления. Картины художника — словно случайно выхваченный момент, рельефные мазки передают трепет листвы, солнечные блики или легкий утренний туман.
Отец Клода Моне был бакалейщиком и хотел передать сыну свое дело, однако, рутинная работа у будущего художника интереса не вызвала. В возрасте 14-15 лет Моне увлекся карикатурой, и это занятие вскоре стало его доходом — свои рисунки он стал продавать по 15-20 франков. Знакомство Моне с Эженом Буденом пробудило интерес к живописи. В конце 50-х годов XIX века он переезжает в Париж, чтобы получить образование. В столице Моне знакомится с такими живописцами как Дега, Писсаро, Сезан, Ренуар, Сислей, и эта встреча навсегда изменит мировую историю искусства.
Работая над передачей цвета, Моне избегает смешивания красок на палитре, предпочитая располагать рядом мазки чистого цвета, которые, «смешиваясь» в глазу у зрителя, создают ощущение движения. Это и другие новаторства не поддерживались Салоном, вызывали непонимание публики и неприятие критики, картины импрессионистов не покупались. Долгое время Клод Моне жил в большой нужде.
Любимой моделью художника была его супруга — Камилла Донсье. Она изображена на картинах «Дама в зеленом», «Женщины в саду» и других. Мадам Моне родила двоих сыновей, но вторые роды в 1878 году пошатнули ее здоровье. Камилла скончалась в 1879, Клод Моне написал трогательный посмертный портрет своей супруги.
Картины Моне разбросаны по всему миру. В России в ГМИИ им. А.С. Пушкина находятся такие известные картины, как «Сирень на солнце» 1873 года и «Завтрак на траве» 1866. Картина «Парламент, эффект тумана» находится в Санкт-Петербурге в Эрмитаже.
Сын резчика по дереву Бертель Торвальдсен родился в Копенгагене в 1770 году. Отец сумел привить мальчику любовь к искусству, и уже в 1781 году Торвальдсен становится учеником Королевской академии художеств в Копенгагене.
Главным его наставником стал известный датский скульптор Видевельт. В 1793 году Торвальдсен получил Большую золотую медаль за рельеф «Пётр исцеляет хромого», а с ним — право пенсионерства в Италии, и в 1796 году Торвальдсен отправился в Рим.
В Италии Торвальдсен и проведет большую часть своей жизни, около сорока лет. При всей любви к творчеству античных скульпторов, например Фидия или Праксителя, Торвальдсен, однако, не стал их слепым подражателем. Античное искусство было для Торвальдсена источником вдохновения, в свое творческом пути он всегда оставался в высшей степени индивидуальным, верным своему своеобразному гению, одинаково сильному и в области статуи, и в области рельефа.
Работал скульптор и в жанре портрета. В основном это памятники-монументы: Копернику для Краковского собора, Шиллеру в Штутгарте, Байрону в Кембридже. В 1818 году Торвальдсен создает скульптурный портрет Марии Федоровны Барятинской, жены известного русского дипломата И. И. Барятинского.
В 1820 году Торвальдсену поручают скульптурное оформление главного собора Копенгагена — собора Богоматери. Художник создаёт ансамбль, включающий в себя двенадцать фигур апостолов, размещённых вдоль стен центрального нефа собора, фигуру Христа в апсиде.
Торвальдсен скончался внезапно в Копенгагене 24 марта 1844 года, присутствуя на вечернем спектакле в Королевском театре. Перед смертью великий скульптор завещал все свои произведения городу.
Лазарь Маркович Лисицкий, широко известный как Эль Лисицкий, родился 22 ноября 1890 года в селе Починок Смоленской губернии. Художник успешно окончил Высшую политехническую школу в Германии, получив диплом инженера-архитектора, много путешествовал по Европе, однако начавшаяся Первая мировая война заставила Лисицкого спешно вернуться на родину.
Работая ассистентом в архитектурном бюро, Лисицкий начинает заниматься живописью и иллюстрацией. Работая в Еврейском обществе поощрения художеств, он оформляет произведения еврейских авторов. В том же 1916 году Лисицкий присоединяется к этнографической экспедиции, изучающей памятники еврейской старины в белорусском Поднепровье и Литве. По итогам этой экспедиции он публикует теоретическую работу о еврейском декоративном искусстве «Воспоминания о могилевской синагоге».
По приглашению М.З. Шагала в 1919 году Лисицкий переезжает в Витебск. В это время художник увлекается беспредметным творчеством, преподает в Народном художественном училище. Именно в это время Лисицкий получает псевдоним «Эль Лисицкий». Художник оформляет город в праздники, участвует в подготовке торжеств Комитета по борьбе с безработицей. Он продолжает работать над оформлением книг, плакатов.
В 1921—1925 годах жил в Германии и Швейцарии; вступил в голландскую группу «Стиль». С конца 20-х годов Эль Лисицкий живет в Москве, создает агитационные плакаты, занимается проектированием мебели, увлекается фотографией и фотомонтажом. В 1930—1932 годах по проекту Эля Лисицкого была построена типография журнала «Огонёк».
Скончался художник от туберкулеза 30 декабря 1941 года в Москве, похоронен на Донском кладбище.
165 лет исполняется со дня рождения русского художника Алексея Федоровича Афанасьева. Он родился в семье служителя Высочайшего Императорского Двора, и в 18 лет тоже начал работу при дворе, сначала истопником, а потом — лакеем. Однако, в 1872 году Афанасьев поступает в Академию художеств вольнослушателем, где будет учится до 1880 года.
В 1886 году Афанасьев взял в Академии свидетельство о посещении классов живописи и в следующем году стал работать преподавателем в Рисовальной школе Общества поощрения художеств. Художник продолжал заниматься и собственным творчеством, работая преимущественно в бытовом жанре.
В конце 1880-х годов Афанасьев присоединился к «Товариществу передвижных художественных выставок», на выставках ТПХВ 1889 и 1890 годов он представил свои жанровые картины «Кладбище» и «Перед праздником».
Наряду с другими живописцами Алексей Афанасьев участвовал в оформлении Собора Воскресения Христова в Санкт-Петербурге, который еще называют Храм Спаса на Крови, поскольку он сооружен был на месте, где 1 марта 1881 года в результате покушения был смертельно ранен император Александр II. С 1894 по 1897 год, по живописным эскизам художника созданы четыре наружные мозаики в кокошниках храма и восемь мозаик для внутреннего интерьера.
Но наиболее известен Алексей Афанасьев не как живописец, а как иллюстратор и карикатурист. Он много лет плодотворно сотрудничал с журналами «Шут», «Осколки», «Лукоморье» и др. В 1897-1898 годах в журнале «Шут» была напечатана сказка Ершова «Конёк-Горбунок», иллюстрации к которой создал Алексей Афанасьев.
185 лет назад, 3 декабря 1830 года, родился выдающийся представитель академической живописи Фредерик Лейтон. Его отец, Эдвард Лейтон, преподавал медицину, а дед, сэр Джеймс Лейтон, был придворным врачом русского императора Александра I.
В детстве Фредерику Лейтону пришлось много путешествовать по Европе. Начав изучать живопись в возрасте десяти лет в Риме, позже он продолжил свои занятия и начал изучать живопись в возрасте десяти лет в Риме, а позже продолжил в Лондоне, Дрездене и Флоренции.
В 1855 году Фредерик Лейтон завершил картину, с которой начался его большой успех. «Мадонна Чимабуэ» не только получила награду Королевской академии, но и была приобретена королевой Викторией.
В 1860 художник поселился в Лондоне. В 1868 году Фредерик Лейтон стал академиком Королевской Академии Художеств, а в 1878 — ее президентом. В 1878 получил дворянство, а в 1895 – титул барона. За день до смерти в 1896 году, живописцу был пожалован титул лорда.
В своей живописи Лейтон всегда придерживался принципов академизма, предпочитал сюжеты на мифологические темы. Его картины отличает высокое мастерство живописца и рисовальщика.
25 января 1896 года Лейтон скончался. Гроб с телом мастера выставили в Королевской Академии, а 3 февраля художника со всеми почестями похоронили в лондонском соборе Св. Павла.
Адольф фон Менцель родился в Бреслау (ныне Вроцлав, Польша), но в 1830 году семья переехала в Берлин. Первые шаги в искусстве будущий художник сделал под руководством отца — тот владел литографической мастерской. В течение полугода посещал классы живописи в берлинской Академии художеств, но его ранняя кончина отца не позволила получить образование в полном объеме, уже в 1833 году Адольф фон Менцель становится фактически кормильцем семьи.
В Германии первой половины XIX века, раздробленной на мелкие княжества, назревали большие социальные преобразования, которые вылились в революцию 1848 года. Этот период общественного подъема, который Гейне назвал «весной», в изобразительном искусстве выразился в борьбе за становление национального реалистического искусства. Наибольшее значение в развитии реализма в Германии имела берлинская художественная школа.
В своих полотнах Менцель воспевает красоту повседневности, очень реалистично и даже несколько отстранено фиксирует быт и жизнь своих моделей, будь то рабочие («На стройке», «Каменщики на стройке», «Лист для фирмы Хекманна») или придворные («Перерыв между танцами», «Обед на балу»).
Графическое наследие Менцеля, наверное никогда не расстававшегося с карандашом, огромно: только в Национальной галерее в Берлине хранится свыше пяти тысяч его рисунков. Он работал в различных техниках, и наряду с подготовительными рисунками, у Менцеля много графических работ, которые имеют самостоятельное значение.
Занимался Адольф Менцель и книжной иллюстрацией, сыграв значительную роль в развитии искусства немецкой книги XIX века. Особенно стоит выделить громадный труд художника по иллюстрированию «Истории Фридриха Великого» Ф. Куглера, для которой он создал четыреста рисунков. Эти работы не только повлияли на подъем национального самосознания, но и оказали влияние на сложение эстетической стилистики русского художественного объединения «Мир искусства».
Искусство Менцеля получило признание далеко за пределами Германии. Крупнейший русский критик В. Стасов называл его «одним из самых великих художников».