Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
Телефон для справок, заказ экскурсий:
+7 (473) 255-38-67
Menu
Воронежский областной художественный музей им. И.Н. Крамского
+7 (473) 255-38-67
5 июня 1805 года родился известный российский скульптор, крупнейший мастер монументальной анималистики Петр Карлович Клодт. По семейной традиции будущий скульптор готовился к военной карьере и в 1822 году поступил в Артиллерийское училище в Петербурге. Однако, в 1828 Клодт оставил службу, посвятив все свободное время копированию образцов античной скульптуры. После двух лет самостоятельной работы, в 1830 году, Петр Клодт поступает вольнослушателем в Академию художеств. И уже в 1831 году Петр Карлович совместно со скульпторами С. С. Пименовым и В. И. Демут-Малиновским работает над скульптурной группой из шести коней, впряженных в колесницу Славы, для оформления арки Нарвских триумфальных ворот в Петербурге. Эта работа стала первым монументальным произведением молодого скульптора и позволила мастеру громко заявить о себе.
После смерти своего наставника — известного русского литейщика Василия Екимова, Петр Клодт возглавил Литейный двор Академии художеств.
Скульптор создал не мало работ, ставших неотъемлемой частью ансамбля Санкт-Петербурга. Бронзовые барельефы Исаакиевского собора, памятник И. А. Крылову, конная статуя Николая I, ставшая подлинным украшением Исаакиевской площади. Но наибольшую известность Клодту принес ансамбль «Укротители коней» из четырех скульптурных групп для Аничкова моста. Конные группы гениально просто соединены сюжетным замыслом. Скульптор изобразил четыре момента укрощения необъезженного коня — страх, гнев, разъяренность, гордое повиновение. Аничковых коней справедливо считают вершиной творчества Клодта.
Петр Карлович Клодт отливал из бронзы и другие известные монументальные произведения — памятник Петру I в Кронштадте, статуя Св. Владимира в Киеве, квадрига Большого театра, памятник Н. М. Карамзину в Симбирске, памятник Г. Р. Державину в Казани, атаману М. И. Платову в Новочеркасске.
Николай Константинович Рерих известен не только как удивительный живописец, но и как художник-сценограф, путешественник, археолог, писатель и философ. Творческое наследие его огромно – более семи тысяч картин, рассеянных по всему свету, многочисленные литературные произведения – книги, очерки, статьи, дневники.
Художник родился 9 октября 1874 года в Петербурге в семье известного нотариуса Константина Федоровича Рериха. После окончания гимназии, Николай Рерих поступил на юридический факультет Петербургского университета и в Императорскую Академию художеств, где занимался в студии знаменитого художника А.И. Куинджи. Еще в студенчестве художник стал членом Русского археологического общества и участвовал в многочисленных раскопках на территории Псковской, Новгородской, Тверской и других губерниях.
Его любовь к Родине выражалась в глубоком интересе к русской культуре и истории. Николай Рерих много работал в историческом жанре – дипломная картина «Гонец», полотна «Вечер богатырства Киевского», «Утро богатырства Киевского», «Идолы». Уже в ранних работах художника виден его своеобразный стиль – лаконизм и ясность композиции, чистота цвета, глубокое знание исторического материала.
Николай Рерих оформлял также театральные постановки. Во время знаменитых «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже в оформлении Николая Рериха проходили «Половецкие пляски» из «Князя Игоря» Бородина, «Псковитянка» Римского-Корсакова, балет «Весна священная» на музыку Стравинского.
С 1906 по 1918 годы Николай Рерих был директором Школы Императорского общества поощрения художеств, при школе действовал ряд мастерских: рукодельная и ткацкая, иконописная, керамики и живописи по фарфору, чеканки и другие.
В мае 1917 года из-за болезни легких Рерих с семьей переехал в Финляндию, на побережье Ладожского озера, однако после революционных событий Николай Рерих оказался отрезанным от Родины. В 1920 году к художнику пришло предложение от директора Чикагского института искусств организовать турне по городам США, а в 1923 году сбылась заветная мечта художника – посетить Индию, и в 1923–1928 годах Н.К. Рерих предпринял беспрецедентную научно-художественную экспедицию через Гималаи, Тибет, Алтай и Монголию, а в 1934–1935 годах – по Маньчжурии и Китаю.
Знакомство с философской мыслью Востока нашло свое отражение в творчестве Рериха, и тема Индии все чаще стала звучать на его полотнах и литературных произведениях, вытесняя красочные образы языческой и раннехристианской Руси. По окончании экспедиции в июле 1928 года Николай Рерих основал Гималайский Институт научных исследований «Урусвати», что в переводе с санскрита означает «Свет Утренней звезды». Там же, в долине Кулу, в Западных Гималаях, Николай Константинович и его семья нашли свой дом, где и прошел последний период жизни художника.
11 июня 1766 года родился английский художник, мастер романтического пейзажа Джон Констебл. Чаще всего на его работах можно встретить виды Саффолка, откуда он был родом. Отец Джона был зажиточным мельником и крайне негативно относился к увлечению сына рисованием.
В 1799 году Констебл решается просить отца позволить ему посвятить жизнь искусству, оставив работу на мельнице, и, к своему удивлению, получает согласие — его младший брат оправдал надежды их родителей и продолжил семейное дело. А Джон Констебл в этом же году поступил в Королевскую Академию художеств в Лондоне.
Констебл много работал и регулярно выставлялся, однако, на родине на его талант не был оценен. Английская критика обратила внимание на художника только после того, как одна из его работ получила не только золотую медаль на выставке во Франции, но и восторженные отзывы авторитетного Теодора Жерико. Однако, не смотря на этот упех плачевное финансовое положение семьи художника не изменилось, поскольку Констебл отказывается от работы заграницей, не желая покидать родину.
В 1837 году Джон Констебл умирает от сердечного приступа. За свою жизнь в Англии он сумел продать лишь 12 своих работ, во Франции — в 4 раза больше. Сегодня работы Констебла украшают самые авторитетные музеи Европы и Америки. В мире искусства его работы — признанный эталон гармонии, эмоциональности и истинной природной красоты.
24 июня 1816 года родился известный русский художник-иллюстратор Петр Михайлович Боклевский. Он родился в селе Елшине, Пронского уезда, Рязанской губернии в семье бывшего офицера, участника Отечественной войны 1812 года. Еще мальчиком он проявил незаурядные способности к рисованию, однако все-таки решил получить юридическое образование. Несколько лет Боклевский жил в Рязанской губернии, временами наезжая в Петербург, где занимался у профессора Академии художеств А.Е. Егорова, прославленного рисовальщика, обучавшего в свое время К.П. Брюллова. В 1845 году Боклевский поступил вольнослушателем в Академию художеств в мастерскую К.П. Брюллова. Однако вскоре его протесты против рутинности академических канонов, едкие карикатуры на профессоров Академии привели художника к конфликту с самим Брюлловым. Боклевский был вынужден покинуть Академию. Лишь в 1852 году Совет Академии утвердил Боклевского в звании художника по акварельной живописи.
В середине XIX столетия литературная иллюстрация становится особым видом искусства — глубоко содержательным, социально направленным, высокохудожественным. К иллюстрации предъявляются требования, ничуть не меньшие, чем к станковой живописи. К числу величайших художников-иллюстраторов XIX века принадлежит и Петр Боклевский. Широкую известность ему принесли иллюстрации к «Ревизору» Н.В.Гоголя. Художник славился своими острыми карикатурами, и этот сатирический взгляд на модель, умение подметить особо остро негативные черты персонажа и, конечно, мастерство рисовальщика привели его к большому успеху у своих современников. Лучшее произведение Боклевского — альбом «Бюрократический катехизис», (1863) — было задумано как обличение бюрократизма и бюрократов. В этом альбоме художник, опираясь на текст гоголевского «Ревизора», в пяти сценах с большой социальной остротой, злободневностью, резкостью критики окружающей действительности изобразил жизненные принципы бюрократов, их «Философию», «Религию», «Политику», «Поэзию», «Общественные отношения».
Широкую популярность завоевали рисунки Боклевского к «Мертвым душам», над которыми он работал в течение многих лет. Первая серия рисунков к «Мертвым душам» была закончена в 1866 году. Это ряд законченных психологических портретов, подчеркивающих и высмеивающих характер гоголевских персонажей. Эти иллюстрации известны и популярны по сей день, во многих изданиях по сей день используются острые и характерные образы, созданные Боклевским.
Каспар Давид Фридрих считается лидером немецкой романтической живописи, а картины художника — классическими образцами этого художественного направления. Его пейзажи несут на себе печать меланхолии, кажутся мистическими и нереальными. Романтизм в Германии был преимущественно литературным течением и зародился в 1770-х годах, благодаря творчеству писателей группы «Буря и натиск», которые отвергали рациональную философию эпохи Просвещения, выступая за эмоциональное, чувственное восприятие мира.
Каспар Давид Фридрих родился 5 сентября 1774 года в семье мыловара. Родители художника были ортодоксальными протестантами, и их десятеро детей выросли в атмосфере религиозного аскетизма. Когда Каспару исполнилось семь лет, умерла его мать, а через шесть лет погиб один из его братьев, спасая самого Каспара, провалившегося под лед во время катания на коньках. Фридрих всю жизнь винил себя в смерти брата. Воспитание и череда трагедий, пережитых в детстве, повлияли на характер художника, его трагическое мироощущение, нашедшее отклик в эстетике романтизма.
Меланхоличные и мистические пейзажи Каспара Фридриха наполнены размышлениями о краткости человеческого бытия. Восхищает удивительное мастерство живописца, его интерес к изображению света, солнечных лучей, отблеска волн, картины художника будто наполнены внутренним свечением.
Хрестоматийное полотно «Возрасты жизни» представляет собой философское высказывание художника. Фигуры людей олицетворяют этапы человеческой жизни, морская даль символизирует небытие, смерть. Ближе к береговой линии находятся фигуры детей и два небольших корабля, а вдали, почти у самого горизонта — одинокий парусник, как одиноко стоящий старик на переднем плане картины. Созерцательный пейзажный мотив приобретает глубокое символическое звучание, поэтически повествуя о жизненном пути человека.
Благодаря дружбе Фридриха с поэтом-романтиком В. А. Жуковским, его полотна попадают в Россию, где сам Николай I заинтересовался художником и приобрел несколько его картин.
После перенесенного в 1835 году инсульта Каспар Фридрих не мог уже больше полноценно работать, его слава угасла и сам художник угасал в нищете, живя лишь на пожертвования друзей. В его картинах этого периода все чаще появляются символы смерти — кресты и совы. 7 мая 1840 года великого живописца эпохи романтизма не стало.
Константин Дмитриевич Флавицкий родился в 1830 году в Москве в семье чиновника Государственного контроля. Вскоре семья переехала в Петербург, где в 1839 году отец будущего художника умер, оставив вдову и пятерых детей. Константин и его старший брат были отданы в дом воспитания бедных детей. Способности к рисованию у Флавицкого проявились рано, и это не осталось незамеченным — он стал пенсионером Общества поощрения художников, а затем поступил в Академию художеств в Петербурге, где учился у профессора Ф.А. Бруни.
Петербургскую Академию художеств Константин Флавицкий окончил в 1855 г. с большой золотой медалью, присужденной ему за картину «Дети Иакова продают своего брата Иосифа». Медаль давала право на заграничную поездку, и шесть лет художник провел в Италии. Своеобразным живописным отчетом Флавицкого стала большая, полная драматической экспрессии картина «Христианские мученики в Колизее». Первая крупная работа Флавицкого не имела успеха. Крамской справедливо назвал ее «трескучей и театральной, лишенной всякого самостоятельного отношения к действительности». Появившаяся на свет, два года спустя, картина «Княжна Тараканова» принесла художнику большую известность.
В основу сюжета картины Флавицкого «Княжна Тараканова» положена легенда о политической авантюристке 18 века, объявившей себя внебрачной дочерью Елизаветы Петровны. Она была арестована в мае 1775 года и заключена в Петропавловскую крепость, где в декабре этого же года умерла от чахотки. Сюжетом же для картины послужило предание о гибели княжны Таракановой во время наводнения 1777 года, и благодаря Флавицкому именно эта версия закрепилась в народной памяти.
Картина «Княжна Тараканова» вобрала в себя сразу несколько тенденций русской живописи: романтическую брюлловскую традицию, принципы академической школы, новые реалистические веяния. Это соединение разнородных черт как нельзя лучше определяет место художника в русском искусстве середины 19 века. Творчество Флавицкого — художественный компромисс, попытка примирить противоположности, найти умеренный, удовлетворяющий всех вариант на стыке борющихся направлений.
Первоклассный, талантливый живописец не успел реализовать свой творческий потенциал, он умер от чахотки в возрасте 35 лет, оставшись в памяти потомков мастером одной картины.
Сегодня празднует день рождения режиссер-мультипликатор, сценарист и художник Юрий Борисович Норштейн. Его известнейшие работы — мультфильмы «Ёжик в тумане» и «Сказка сказок» — признаются лучшими анимационными работами в мире. Секрет особого «норштейновского» изображения — изобретенная им анимационная техника, в которой плоские бумажные фигуры располагаются на нескольких стеклянных ярусах, создавая эффект объема. Все анимационные работы Юрия Борисовича отличает также удивительная живописность, как известно, Норштейн изначально планировал стать художником, но судьба привела его в мультипликацию.
Будущий художник родился 15 сентября 1941 года в деревне Андреевка Пензенской области, куда его мать, Бася Гиршевна Кричевская, была эвакуирована во время Великой Отечественной войны. В 1943 году Юрий Норштейн вместе с матерью и старшим братом вернулся в Москву. Его отец, Борис Лейбович Норштейн, был на фронте, он умер в 1956 году.
В 1956-1958 гг. Юрий Норштейн посещал детскую художественную школу, а с 1959 по 1961 год учился на курсах художников-мультипликаторов при киностудии «Союзмультфильм».
Один из шедевров советской анимации — мультфильм Юрия Норштейна «Цапля и журавль» 1974 года. Местом действия, вместо предполагаемого в сказке болота, художник использует развалины русской усадьбы, и простенькая русская сказка преображается. В ней открываются совершенно новые глубины, тонкий, элегантный стиль рисунка в сочетании с манерами и движениями персонажей, создает историю об утраченном величии.
Фильмы Юрия Норштейна награждены многочисленными международными премиями. В 1984 г. в Лос-Анджелесе (США) фильм «Сказка сказок» признан лучшим фильмом всех времен и народов. А в 2003 г. в Токио (Япония) фильм «Ежик в тумане» признан лучшим фильмом всех времен и народов, вторым назван фильм «Сказка сказок».
26 сентября 1791 года родился выдающийся живописец эпохи романтизма Жан Луи Андре Теодор Жерико. Его работы наполнены чувством конфликтности мира, стремлением к воплощению драматических явлений современности и сильных страстей, отличаются эмоциональностью образов, динамичностью композиции и колорита.
Познакомившись во время своего путешествия в 1816 году по Италии с живописью Караваджо, Теодор Жерико много почерпнул из технических приемов великого итальянца, особая контрастность светотени отличает его последующие работы.
Вернувшись на родину, Жерико заканчивает, задуманную еще в поездке, сложную, многофигурную картину, ставшую в дальнейшем его визитной карточкой и главной работой его жизни — картину «Плот «Медузы». Стремясь представить на полотне историю спасения в море людей, потерпевших кораблекрушение, художник сделал множество набросков в госпитале, где писал больных и умерших. Эта работа, пусть и не сразу, принесла автору и признание, и финансовое благополучие. Однако, наслаждаться успехом ему пришлось недолго.
Страсть к горячим необузданным коням стала роковой для художника. В конце 1822 года лошадь сбросила его на груду камней. В декабре 1823 года Делакруа записывает в дневнике: «Сегодня был у Жерико… Он умирает…» Далее он пишет о работах друга: «Прекрасные этюды! Какая крепость! Какое превосходство! И умирать рядом со всеми этими работами, созданными во всей силе и страсти молодости…» 26 января 1824 года Жерико скончался. «К числу самых больших несчастий, которые только могло понести искусство в нашу эпоху, следует отнести смерть удивительного Жерико», — горестно заключает Делакруа.
29 сентября 1571 года на севере Италии в небольшом городке Караваджо в семье вполне обеспеченного архитектора синьора Фермо Меризи родился сын. Возможно, не будь Микельанжело Меризи да Караваджо, вся бы история живописи пошла бы по иному пути развития. Его искусство оказало огромное влияние — Рубенс, Рембрандт, Веласкес, Сурбаран, Вермеер и многие другие великие художники переняли у Караваджо приемы светотеневой моделировки — кьяроскуро, реалистичную трактовку религиозных сюжетов, смелые ракурсы и сложные композиционные решения.
После смерти матери художник, забрав свою долю наследства, перебирается в Рим. Драматичные сюжеты, оригинальные композиции и резкая светотеневая моделировка — характерные черты живописи Караваджо. Его творчество отличалось от популярного в то время маньеризма, однако было немало поклонников его таланта, художник получал массу заказов. К противникам его творчества относилась церковь, поскольку изображая религиозные сюжеты, Караваджо разрушал все существующие в то время стандарты и каноны.
Наряду с растущей славой, увеличивались и случаи участия Караваджо в скандальных происшествиях. Все больше проявлялись черты его характера как вспыльчивого, эгоцентричного человека, живущего одним днем. В мае 1606 года во время ссоры Караваджо убил Рануччио Томмазони. Сам художник был ранен и вывезен друзьями из Рима. Суд приговорил его к смертной казни, а за его поимку было назначено вознаграждение.
В 1607 году он перебирается жить на Мальту. И снова возникает ссора со знатным рыцарем, которого он ранил. Затем тюрьма, побег, исключение из рыцарского ордена. Позже Караваджо становится известно, что раненный им рыцарь подослал к нему убийц, художник возвращается в Неаполь, его преследует страх, он даже спит с кинжалом. Но осенью 1609 года наемники, настигнув Караваджо на пороге харчевни, нанесли ему удары кинжалами в лицо.
В 1610 году 18 июля Микельанжело Меризи да Караваджо умирает от малярии, а 31 июля в Риме, куда художник так хотел вернуться, был обнародован папский указ о помиловании Караваджо и опубликовано сообщение о его смерти.
Значение Караваджо огромно, его живопись стала буквальным воспроизведением жизни. Искусство отныне не было зациклено преимущественно на идеале, на возвышенном, оно стало замечать в природе и в жизни одновременное присутствие противоположенных начал.
Илья Кабаков, возможно, самый известный представитель московского концептуализма. Его работы выставляются по всему миру, а цены на них растут с каждым годом, однако, интерес к его творчеству возник только после эмиграции художника на Запад в 1987 году, хотя на протяжении многих лет Кабаков был лидером «неофициального искусства» в Советском Союзе.
Илья Иосифович Кабаков родился 30 сентября 1933 года в Днепропетровске. В 1941 году Илья с матерью были отправлены в эвакуацию в Самарканд. Там он в 1943 году поступил в художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, которая также была эвакуирована в этот город. В 1945 году переехал в подмосковный Загорск и был переведен в Московскую среднюю художественную школу (МСХШ), после ее окончания поступил в Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова на отделение графики. После окончания института устроился работать иллюстратором, его рисунки также помещались в журналах «Мурзилка», «Весёлые картинки», альманахах «Звездочка» и «Круглый год». Однако, основная творческая жизнь художника проходила вне рамок официальной работы.
Серия «Душ» — одна из первых работ Кабакова, выставленная в Италии в 1965 году, поссорила художника с советским правительством. На рисунках изображен человек, стоящий под лейкой душа, но вода, которая из нее выливается, не касается его. По мнению критиков, эта работа символизировала недостаток материальных ресурсов при коммунистическом режиме, и они окрестили Кабакова голосом антисоветского поколения.
Концептуализм — это интернациональное движение в искусстве XX века, с конца 60-х годов сформировалось концептуальное направление в московской культуре. Концептуальные произведения вызывают определенный дискомфорт у зрителей не столько за счет непривычного или раздражающего внешнего облика, но главным образом за счет иных правил их восприятия, нарушающих укоренившуюся привычку общения с искусством. Они не опираются на непосредственное восприятие, не взывают к эмоциональному сопереживанию, отрицают традиционные эстетические оценки.
Еще одним примером творчества Ильи Кабакова является созданная еще в 1985 году инсталляция «Человек, улетевший в космос», которую художник выставлял еще в своей мастерской. Эта работа представляет останки еще недавно обитаемой комнаты, в центре которой находится катапульта. Над этим устройством, в потолке зияет дыра, которая, судя по всему, была пробита бывшим обитателем комнаты, когда тот улетал. Работа говорит не только о переживаниях самого художника, Кабаков через два года покинет Советский Союз, но и об эмоциональном освобождении из идеологических пут, о некоторой творческой свободе, так необходимой каждому человеку.
Работы Ильи Кабакова хранятся в 250 музеях мира, более 50 инсталляций украшают парки, площади и улицы городов на всех континентах, а картины «Жук» ($5,8 млн., 2008) и «Номер люкс» ($4,1 млн, 2006) являются двумя самыми дорогими когда-либо проданными произведениями современного российского искусства.